David Hockney i czas we współczesnym malarstwie

W świecie zdominowanym przez ulotne obrazy i nieustanne przyspieszenie wizualne najnowsze prace Davida Hockneya zachęcają do zwolnienia tempa. Jego aktualne obrazy stawiają pytanie o to, w jaki sposób sztuka może zatrzymać czas — nie jako sprzeciw wobec zmiany, lecz jako sposób życia w jej rytmie. Poprzez pejzaże, portrety i martwe natury Hockney przywraca malarstwu rolę medium zdolnego zapisywać ciągłość, powtarzalność i cichy bieg codziennych dni, co czyni ten projekt wyjątkowo aktualnym w dzisiejszej kulturze wizualnej.

W momencie, gdy obrazy znikają niemal tak szybko, jak się pojawiają, te prace zadają zasadnicze pytanie: co znaczy pozostać przy jednej scenie na tyle długo, by czas pozostawił na niej ślad? Odpowiedź Hockneya nie ma w sobie nostalgii ani defensywności. Malarstwo jawi się tu jako praktyka długotrwałej uwagi, przestrzeń, w której zmiana nie zostaje zamrożona, lecz obserwowana w swoim powolnym rozwoju.

Wystawa pojawia się w chwili, gdy wartość powolności staje się przedmiotem sporów. Obrazy krążą szybciej niż kiedykolwiek, a instytucje kultury wciąż zastanawiają się, czym dziś jest trwałość w sztuce. Hockney nie proponuje powrotu do przeszłości, lecz podkreśla ciągłość: malarstwo, mimo swojej długiej historii, pozostaje aktualnym sposobem myślenia o zmianie.

Może Ci się spodobaćNowe dzieła Erica Rewitzera w Palm Springs: „THE PROTAGONISTS” w JAMES BACCHI CONTEMPORARY

A Year in Normandie rozciąga się w formie monumentalnego fryzu obejmującego cykl pór roku — od wiosny po zimę. Temat jest celowo skromny — drzewa, ścieżki, niebo, światło — jednak ciężar pracy tkwi w czasie. Poszczególne panele nie są ilustracjami natury, lecz zapisem wytrwałej obserwacji. Czas nie zostaje skondensowany w jednym obrazie, lecz rozciąga się, powtarza i płynie dalej, przypominając, że zmiana najczęściej dokonuje się stopniowo.

Oglądany na żywo fryz działa inaczej niż w reprodukcjach. Jego skala wymusza fizyczne zaangażowanie widza, który porusza się wzdłuż pracy, odtwarzając przedstawiony upływ czasu. Ta cielesna relacja z dziełem nabiera szczególnego znaczenia w epoce, gdy ekrany spłaszczają doświadczenie do krótkich, łatwych do skonsumowania momentów.

Obok fryzu pokazano nowe obrazy o bardziej intymnym charakterze: martwe natury i portrety osób z najbliższego otoczenia artysty. Choć mniejsze formatem, są równie przemyślane. Frontowa kompozycja i powracający motyw kratkowanego obrusu pełnią funkcję strukturalnego punktu odniesienia. Przywołują domową codzienność, a jednocześnie podkreślają płaszczyznę obrazu, przypominając, że przedstawienie zawsze jest negocjacją między głębią a powierzchnią.

Hockney od dawna twierdzi, że każde malarstwo figuratywne jest z natury abstrakcyjne, ponieważ istnieje na płaskim podłożu. W tych najnowszych pracach myśl ta staje się widoczna. Przedmioty i twarze pozostają rozpoznawalne, jednak kolor, rytm wzorów i kompresja przestrzeni uniemożliwiają iluzję naturalizmu. Obrazy balansują między bliskością a dystansem, znajomością a formalną powściągliwością.

Szczególnie portrety proponują inny stosunek do czasu niż monumentalny fryz. Nie dokumentują trwania, lecz obecność. Modelami są osoby z codziennego życia Hockneya, przedstawione bez narracyjnej oprawy czy psychologicznej ekspresji. Ich bezruch niesie ze sobą cichą powagę i sugeruje troskę zamiast występu. W epoce nadmiernej widoczności te portrety odmawiają udziału w spektaklu.

Znaczenie ma także kontekst instytucjonalny wystawy. Prezentacja w Serpentine North stanowi pierwszą dużą współpracę Hockneya z tą instytucją. Znana z eksperymentów i silnego związku z teraźniejszością, Serpentine pokazuje tu projekt, który akcentuje ciągłość i wagę długotrwałej praktyki artystycznej. W krajobrazie kultury zdominowanym przez nowość jest to wyraźny kontrapunkt.

Polecane lekturyJohn Gill: Mistrz Ceramiki Prezentuje Nowe Dzieła w Galerii Yossi Milo

Na zewnątrz galeria rozszerza wystawę o wielkoformatowy drukowany mural oparty na serii normandzkiej. Motyw domku na drzewie, kojarzony z zabawą, obserwacją i schronieniem, nawiązuje do zainteresowania artysty narzędziami cyfrowymi. Druk nie zastępuje tu malarstwa, lecz staje się kolejnym sposobem myślenia o obrazie.

Karierę Hockneya cechuje niesłabnąca ciekawość — od wczesnych badań nad percepcją po eksperymenty z fotografią i rysunkiem cyfrowym. To, co łączy te etapy, to nie styl, lecz uwaga: skierowana na sposób widzenia i na to, jak zmienia się on w czasie. Najnowszy cykl nie wyznacza nowego kierunku, lecz porządkuje wieloletnie zaangażowanie.

Przywracając malarstwu zdolność przechowywania czasu, Hockney przeciwstawia je kulturowej amnezji. Jego prace nie głoszą wyższości medium ani nie uciekają w tradycję. Sugerują raczej, że malarstwo pozostaje aktualne właśnie dlatego, że odmawia podporządkowania się prędkości. W kulturze wizualnej rządzonej przez natychmiastowość ta postawa okazuje się zaskakująco współczesna.

Po wyjściu z wystawy nie pozostaje jeden obraz, lecz rytm. Poczucie, że czas, gdy poświęci się mu cierpliwą uwagę, wciąż może stać się widoczny. W rękach Hockneya malarstwo przestaje być deklaracją, a staje się praktyką — sposobem pozostawania przy świecie wystarczająco długo, by mógł się odsłonić.

Więcej podobnych

October Gallery zaprezentuje pośmiertną wystawę Owusu-Ankomah

Jak Brassaï uczynił nowoczesne miasto widzialnym po zmroku

Wystawa „Permanent Marker” Tary Denny zostanie otwarta w Gertrude Glasshouse

Danielle Frankenthal prezentuje innowacyjne dzieła w L’Space Gallery

The Long Now: Saatchi Gallery świętuje cztery dekady, patrząc wprost na teraźniejszość

MoMA zapowiada nowojorską wystawę Kahlo i Rivery w dialogu z Metropolitan Opera