Późne obrazy i rysunki Marii Lassnig przekształcają ciało z przedmiotu przedstawienia w narzędzie poznania. Skoncentrowana prezentacja w Hongkongu gromadzi płótna i prace na papierze z lat 1987–2008 i porządkuje badania, które artystka określała mianem „świadomości ciała”: przekonanie, że odczucie—nacisk, ból, oddech, ciężar—stanowi bardziej wiarygodną podstawę obrazu niż lustro czy aparat. Selekcja zestawia autoportrety z maszynami, zwierzętami i strukturami abstrakcyjnymi, pokazując, jak stany wewnętrzne wypierają „obraz siatkówkowy” na rzecz somatycznego świadectwa.
Osią wystawy jest „Selbst mit Drachen (Self with Dragon)” (2005), gdzie mityczna istota jawi się mniej jako przeciwnik, a bardziej jako rozszerzenie „ja”. Lassnig traktuje smoka jako skalę napięcia—ucieleśnienie sił natrętnych, zarazem wewnętrznych i zewnętrznych. Ta negocjacja, rozpięta między zagrożeniem a rozpoznaniem, wybrzmiewa w sąsiednich pracach, w których ciała są skracane, hybrydyzowane albo łączone z urządzeniami nie dla efektu retorycznego, lecz po to, by zapisać odczucie w punkcie jego narodzin.
„Viktory (Victory)” (1992) destyluje tę logikę w rygorystyczną, emblematyczną geometrię. Szerokie, kanciaste „V”—zarazem postawa i znak—porządkuje pole obrazu i splata cielesne czucie z architekturą symboliczną. Litera działa jak rusztowanie emocji, ujawniając, jak systemy znaków kształtują doświadczenie ciała. Zamiast sceny triumfu płótno czyta się jako diagram odporności pod presją.
Kilka obrazów przesuwa język ku abstrakcji bez rezygnacji z podmiotu. W „Selbst abstrakt I / Bienenkorb Selbst (Self Abstract I / Beehive Self)” (1993) głowa przybiera wentylację i masę ula—naczynia naładowanego brzękiem, ciepłem i ciśnieniem. „Selbst als Blüte (Self as a Flower)” (1993) zestawia starzejącą się tkankę z konstrukcją botaniczną, analitycznie, a nie sentymentalnie, i potwierdza ciągłość między anatomią ludzką a roślinną. Te prace działają jak przekroje czucia: obrzmienie, puls i skurcz przełożone na formę.
Zespół prac na papierze zakotwicza prezentację w teraźniejszości. Rysunek jest u Lassnig sejsmografem—najbliższym chwili—pozwalającym jednej linii zanotować przejście od samotności do relacji. W „Liegende (Reclining Figures)” (2000) i „Liebespaar (Lovers)” (2003) postaci zbliżają się i oddalają, nie zasklepiając się w stałym konturze. „Mr and Mrs Kliny” (2004) utrzymuje tę dwuznaczność, szkicując diadę, której równowaga pozostaje celowo otwarta. Monochromatyczne arkusze, jak „Ober und Unterkörper (Torso and Lower Body)” (1990) i „Die Vielfalt (Diversity)” (2003), redukują figurę do punktów nacisku; oszczędność środków staje się strategią izolowania krzywizn i kompresji, które kolor mógłby przerysować. Podkreślana przez artystkę autonomia każdego rysunku—nigdy jako etap w drodze do „ostatecznego” oleju—wzmacnia etykę uwagi spajającą całość.
Razem te obrazy i rysunki afirmują czucie jako formę wiedzy oraz ciało jako porowatą powierzchnię, na której świat zostawia ślady. Maszyny, zwierzęta i znaki alfabetu nie są rekwizytami, lecz językami, którymi „ja” mierzy wpływ. Powstałe z tego hybrydy i fragmenty są instrumentami, nie szczątkami: narzędziami skalibrowanymi do rejestrowania intensywności, które portret konwencjonalny zwykle pomija. Kuratorska wstrzemięźliwość—zwięzła selekcja, klarowna czytelność, wyważone zestawienia—pozwala traktować każdą pracę jak studium percepcji, z własnym protokołem przekładu stanu wewnętrznego na formę widzialną.
To nie odrzucenie podobieństwa, lecz jego redefinicja. Lassnig maluje to, jak czuje się zamieszkiwanie głowy, nie to, jak głowa wygląda; rysuje relację jako przesunięcie konturu, nie jako scenę narracyjną. W ten sposób poszerza słownik autoportretu, dopuszczając diagramy, emblematy i mityczne substytuty jako pełnoprawne rejestry „ja”. Powstaje korpus dążący do precyzji—rozumianej jako wierność doświadczeniu—poprzez rezygnację z wygód czysto optycznego opisu.
Miejsce i terminy: Hauser & Wirth Hong Kong — 26 września 2025 – 28 lutego 2026.
