MUSAC — Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León — przedstawia szeroki przegląd twórczości Yoko Ono, gromadząc ponad siedemdziesiąt prac na około 1 700 m², aby prześledzić karierę, która swobodnie porusza się między performansem, sztuką koncepcyjną i partycypacyjną, filmem, dźwiękiem, instalacją, malarstwem i fotografią. Tytuł wystawy, „Yoko Ono. Insound and Instructure”, odsyła do wczesnego etapu działalności artystki i zarazem wskazuje główną tezę projektu: połączenie dźwięku z formą opartą na instrukcji, która od dekad podtrzymuje jej praktykę. W tym ujęciu pierwszeństwo ma idea — sztuka rozumiana jako propozycja, partytura lub zaproszenie — a nie materialność obiektu.
Kuratorami ekspozycji są Jon Hendricks, Connor Monahan i Álvaro Rodríguez Fominaya. Prezentacja należy do najobszerniejszych poświęconych w ostatnich latach Yoko Ono w Hiszpanii. Scenariusz prowadzi od okresu formacyjnego po dojrzałe realizacje, zestawiając prace kanoniczne ze środowiskami partycypacyjnymi i nowszymi instalacjami. W całym przebiegu wyraźnie zaznacza się nie tylko różnorodność mediów, lecz także nić przewodnia porządkująca dorobek Ono: aktywna rola publiczności w urzeczywistnianiu lub dopełnianiu dzieła.
Dobór prac akcentuje kilka wczesnych kamieni milowych, które współtworzyły język performansu i sztuki koncepcyjnej. „Cut Piece” prezentowane jest w dialogu z innymi realizacjami opartymi na instrukcji, czyniącymi widza współautorem — m.in. „Voice Piece for Soprano” oraz „Draw Circle Painting”, ta ostatnia w pełni istnieje dopiero dzięki udziałowi publiczności. Wystawa obejmuje także środowiska partycypacyjne, takie jak „A MAZE”, przechodzalny labirynt, oraz „EN TRANCE”, próg architektoniczny pomyślany jako prolog i propozycja. Przemierzając te prace, odwiedzający doświadcza, jak instrukcje Ono rozwijają się w ucieleśnione sytuacje — akty chodzenia, słuchania, mówienia czy wyboru — w których sztuka staje się praktyką uważności i sprawczości, a nie wyłącznie obiektem kontemplacji.
MUSAC nie ogranicza się do rozdziałów już skanonizowanych. Włączenie nowszych projektów ukazuje ciągłość motywów rezonujących przez dekady. „DOORS” i „INVISIBLE FLAGS” rozwijają wieloletnie zaangażowanie Ono na rzecz pokoju, wyobraźni społecznej oraz reinterpretacji znanych struktur i symboli. Podobnie jak w wcześniejszych realizacjach, instalacje te operują oszczędnymi gestami i minimalnymi wytycznymi, zachęcając publiczność do namysłu nad tym, jak przesunięcia percepcji mogą otwierać przestrzeń dla refleksji wspólnotowej.
Film — kluczowy nurt w praktyce artystki — pojawia się tu w wyselekcjonowanej konstelacji. Tytuły zrealizowane samodzielnie i we współpracy z Johnem Lennonem, m.in. „Rape”, „Fly” i „Freedom”, wydobywają wątki obecne w całej twórczości: intymność i ekspozycję; politykę spojrzenia i „bycia oglądanym”; elastyczność percepcji w czasie. Zestawione z pracami-instrukcjami i środowiskami partycypacyjnymi, filmy te klarownie ukazują transmedialną spójność metody Ono. Niezależnie od tego, czy chodzi o stronę, salę wystawową czy ekran, dzieło często rodzi się z języka: krótkiego komunikatu, partytury, dyspozycji ustanawiającej warunki zdarzenia. Efektem jest raczej sytuacja aktywowana niż zamknięty produkt.
Prezentacja w León wpisuje się w szerszą instytucjonalną rewizję dziedzictwa Ono. W ostatnim czasie duże muzea poświęciły jej twórczości wystawy zakrojone na szeroką skalę — to znak, że pozostaje ona istotna dla współczesnych debat o partycypacji, autorstwie, aktywizmie i społecznej funkcji sztuki. W tym kontekście projekt MUSAC działa zarówno jako wprowadzenie dla nowych odbiorców, jak i pogłębione spotkanie dla znających już najważniejsze prace, lokując artystkę nie na marginesie powojennej sztuki, lecz w jej koncepcyjnym i performatywnym rdzeniu.
Zwięzłe ramy biograficzne pomagają osadzić ewolucję metody instrukcyjnej, która animuje wystawę. Urodzona w Tokio, Ono spędziła formacyjne lata w Stanach Zjednoczonych, zanim osiadła w Nowym Jorku. Była pierwszą kobietą przyjętą na filozofię na Uniwersytecie Gakushuin, a następnie studiowała w Sarah Lawrence College. Funkcjonując w przenikających się wspólnotach artystów i kompozytorów, wypracowała praktykę, która uprzywilejowuje idee i partytury ponad konwencjonalne obiekty, zapraszając widza do wprawienia dzieła w ruch.
W Lower Manhattan wynajęła loft, z którego wraz z kompozytorem La Monte Youngiem organizowała działania i wydarzenia kluczowe dla rodzącej się sceny eksperymentalnej miasta. Jej pierwsza indywidualna wystawa w AG Gallery pokazała „Instruction Paintings”, w tym dziś emblematyczne „Painting to Be Stepped On”, a w Carnegie Recital Hall artystka prezentowała prace łączące ruch, dźwięk i głos. Po powrocie do Tokio wystąpiła w Sogetsu Art Center i ugruntowała zwrot ku pracy-instrukcji: realizacjom składającym się wyłącznie z zapisanych wskazówek, które zastępują materialny obiekt ideą. W tym czasie wyruszyła również w trasę z Johnem Cage’em i Davidem Tudorem, pogłębiając przecięcie sztuki z muzyką eksperymentalną. Książka Grapefruit zdestylowała ducha tego podejścia w zwięzłym zbiorze partytur.
Po powrocie do Nowego Jorku Ono nadal organizowała wydarzenia, interwencje pocztowe i reklamowe, pisała scenariusze filmowe oparte na instrukcjach i realizowała własne krótkometrażowe filmy. Zaproszenia do Londynu włączyły ją w krąg artystów skupionych wokół Destruction in Art Symposium i zaowocowały wystawami w galeriach Indica i Lisson. Obiekty koncepcyjne, takie jak White Chess Set, Apple i Half-A-Room, pokazano obok nowej wersji Film No. 4 (Bottoms) oraz serii wystąpień pod wspólnym tytułem „Music of the Mind”. W Indica Gallery artystka poznała Johna Lennona, rozpoczynając współpracę obejmującą sztukę, film i muzykę oraz formy aktywizmu widoczne w przestrzeni publicznej i medialnej.
U boku Lennona strategie koncepcyjne Ono rozwinęły się w szeroko nagłaśniane inicjatywy pokojowe, m.in. kampanię „WAR IS OVER! If you want it” i Bed-Ins for Peace. Działania te przenosiły logikę instrukcji w sferę obywatelską: apel o wyobrażenie sobie i wypróbowanie innych relacji społecznych. W kolejnych latach artystka wydała liczne albumy — solowe i we współpracy — oraz zrealizowała filmy takie jak FLY, Freedom, Rape, Apotheosis i Imagine, równolegle prowadząc muzealne eksperymenty podważające granice między instytucją a gestem koncepcyjnym. Jak podkreślała, muzyka była dla niej oparciem w okresie naznaczonym osobistymi wstrząsami.
Instytucjonalne uznanie dla jej sztuki wizualnej wyraźnie wzrosło. Prezentacja w Whitney Museum zapoczątkowała odnowione zainteresowanie, po niej nastąpiła objazdowa retrospektywa Yes Yoko Ono przygotowana przez Japan Society Gallery i pokazana w wielu międzynarodowych miejscach. Na Islandii IMAGINE PEACE TOWER ustanowiła trwały pomnik wspólnego zaangażowania na rzecz pokoju. Do tego doszły ważna nagroda za całokształt na Biennale w Wenecji oraz kolejne albumy reinterpretujące materiał z różnych okresów. Duże wystawy w Museum of Modern Art (Nowy Jork), Museum of Contemporary Art (Tokio), Tate Modern (Londyn) i Neue Nationalgalerie (Berlin) potwierdzają aktualność jej dorobku w debacie współczesnej.
W salach MUSAC sekwencja kuratorska precyzyjnie łączy intymną skalę instrukcji ze skalą architektoniczną środowiska. Przejście wejściowe „EN TRANCE” pełni funkcję zawiasu: uwertury kondensującej — próg, przemianę, grę — w doświadczenie przestrzenne. „A MAZE” w podobny sposób przekłada logikę krótkiej partytury na ruch ciała, zapraszając publiczność do nawigowania zamiast biernego obserwowania. W tym sensie prezentacja pełni rolę przewodnika po tym, jak idee Ono przekraczają formaty: pojedyncza instrukcja może wygenerować działanie mówione, gest sfilmowany, instalację w skali sali lub dyskretną propozycję na papierze, która uruchomi wyobraźnię czytelnika.
Nić przewodnia nie ma charakteru wyłącznie formalnego. Nacisk Ono na to, że sztuka może być wehikułem wyobraźni społecznej, podtrzymuje spektrum zgromadzonych prac. „DOORS” pozycjonuje codzienny przedmiot jako przejście między stanami — prywatnym i publicznym, zamkniętym i otwartym — natomiast „INVISIBLE FLAGS” redukuje symbol polityczny do minimalnej idei, zachęcając do refleksji nad przynależnością, państwowością i odpowiedzialnością. Realizacje te nie narzucają sposobu myślenia; sugerują raczej, by rozważyć, w jaki sposób drobne przesunięcia percepcji, powtarzane w szerokiej skali, mogą zmieniać tkankę życia wspólnego. Siła prezentacji polega na tym, że utrzymuje tę ambicję czytelną w czasie i w różnych mediach, bez odwoływania się do spektaklu — to szeroko zakrojony argument budowany ekonomią środków.
W sumie „Yoko Ono. Insound and Instructure” ukazuje praktykę, która wcześnie skierowała się ku dematerializacji, nie tracąc z oczu społecznych implikacji tego gestu. Rozwijając instrukcje, partytury i propozycje w filmie, dźwięku i przestrzeni, wystawa pokazuje, jak dzieło może pozostać otwarte — koncepcyjnie, politycznie i formalnie — zachowując jednocześnie klarowną strukturę. Jednocześnie potwierdza rolę publiczności jako współtwórcy, rozszerzając autorstwo na zewnątrz. Ta propozycja, centralna w dorobku Ono, stanowi także najtrwalszy argument ekspozycji: sztuka jako katalizator wyobrażania i testowania zmiany — zaczynając od prostego gestu zwrócenia uwagi na instrukcję i podjęcia decyzji o kolejnym kroku.
Miejsce i terminy: MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León — wystawa otwarta od 8 listopada do 17 maja 2026 roku. Kuratorzy: Jon Hendricks, Connor Monahan i Álvaro Rodríguez Fominaya.
