Wraz z premierą na platformie streamingowej Netflix, Miłość w Oksfordzie pojawia się jako dramat romantyczny, poruszający się po dobrze znanym terytorium miłości i straty na tle historycznego brytyjskiego środowiska akademickiego. Wyprodukowany przez Temple Hill Entertainment, firmę o znaczącym dorobku w dziedzinie poruszających emocjonalnie narracji, film przedstawia zderzenie dwóch światów: Anny De La Vegi (Sofia Carson), amerykańskiej studentki o ogromnych ambicjach, oraz Jamiego Davenporta (Corey Mylchreest), jej charyzmatycznego, lecz trapionego problemami korepetytora z literatury. Geneza filmu jest niezwykle zawiła: jest to adaptacja powieści Julii Whelan o tym samym tytule, która sama była adaptacją oryginalnego scenariusza Allison Burnett. Burnett powraca jako współscenarzystka tej wersji kinowej, zamykając rzadką podróż z ekranu na papier i z powrotem na ekran. Projekt reżyseruje nominowany do nagrody BAFTA Iain Morris, reżyser, którego doświadczenie w komedii sugeruje celową i być może nieoczekiwaną strategię tonalną dla tego materiału.
Architektura narracyjna: miłość, ambicja i nieprzewidziane
Scenariusz, napisany przez Burnett i Melissę Osborne, konstruuje centralną dialektykę między hiperustrukturyzowaną ambicją Anny a chaotycznym wtargnięciem miłości i śmiertelności. Klasyczny motyw „roku za granicą” funkcjonuje jako narracyjny tygiel. Anna przybywa na Oksford ze stypendium Rhodesa, aby spełnić marzenie z dzieciństwa, cel, który realizuje równolegle z wymagającą pracą zdalną w kampanii prezydenckiej wschodzącej gwiazdy polityki w Stanach Zjednoczonych. Ten podwójny cel ustanawia ją jako postać zdefiniowaną przez długoterminowe planowanie. Trajektoria narracji zostaje nieodwracalnie zmieniona przez odkrycie życiowego sekretu Jamiego – śmiertelnej choroby, która przekształca film z prostego romansu w elegijny dramat. To zmusza Annę do konfrontacji z niemożliwą decyzją między przyszłością, którą skrupulatnie zaplanowała, a głęboką, choć skończoną, więzią, którą odkryła. Materiał źródłowy sugeruje również konflikt między Jamiem a jego zamożnym ojcem, co prawdopodobnie doda kolejną warstwę dramatycznego napięcia. Ten zwrot akcji jest istotnym punktem do rozważenia, ponieważ powieść spotkała się z krytyką za poleganie na tym, co niektórzy recenzenci uznali za stereotypowy motyw „romans kontra rak”. Wybór Iaina Morrisa, reżysera najbardziej znanego z brytyjskiego serialu komediowego The Inbetweeners, wydaje się być celowym wyborem strategicznym. Jego doświadczenie sugeruje próbę nadania historii tonalnej złożoności, równoważąc wrodzoną powagę tematu z humorem obserwacyjnym. Sam Morris wyraził nadzieję, że film pozwoli widzom „przeżyć wszystkie emocje związane z cudownym, hałaśliwym, chaotycznym, nieoczekiwanym, zabawnym i łamiącym serce doświadczeniem, jakim jest zakochanie się”.
Ucieleśnienie dychotomii: o postaci i aktorstwie
Film opiera się na kreacji Sofii Carson jako Anny De La Vegi. Podjęto znaczącą decyzję adaptacyjną, zmieniając imię bohaterki z powieściowej Elli Durran i określając postać jako Latynoskę, co jest zgodne z pochodzeniem samej Carson i dodaje przemyślany akcent reprezentacji. Wprowadza to bardziej złożoną matrycę dynamik społecznych do narracji „Amerykanki w Oksfordzie”, dodając potencjalną warstwę podtekstu do ambicji Anny. Aby uchwycić autentyczne poczucie zdumienia i wyobcowania, Carson celowo unikała odwiedzania miejsc kręcenia zdjęć, dopóki kamery nie zaczęły pracować, dążąc do „prawdziwego doświadczenia Oksfordu, tak jak zrobiłaby to Anna”. Naprzeciw niej Corey Mylchreest, znany z roli udręczonej postaci romantycznej w Królowa Charlotta: Opowieść ze świata Bridgertonów, wciela się w Jamiego Davenporta. Narracja zależy od chemii między tymi dwoma głównymi aktorami. Reżyser Iain Morris zauważył, że „od pierwszej chwili, gdy razem pracowali, świetnie się dogadywali”, ciesząc się wyzwaniem wzajemnego rozśmieszania – „a może i doprowadzania do płaczu?”. Ta dynamika jest kluczowa dla związku, który musi wydawać się zarówno intelektualnie żywy, jak i emocjonalnie głęboki. Obsada drugoplanowa, w tym weterani aktorstwa Dougray Scott i Catherine McCormack jako rodzice Jamiego, William i Antonia Davenport, oraz Harry Trevaldwyn jako przyjaciel Anny, Charlie Butler, służy budowaniu świata społecznego filmu i zapewnieniu kontekstu dla podróży głównej pary.
Gramatyka kina: tworzenie świata Oksfordu
Ambicje estetyczne filmu sygnalizuje jego wysokiej klasy zespół kreatywny, co sugeruje świadomy wysiłek w celu podniesienia materiału ponad konwencje romansu streamingowego. Język wizualny kształtuje nominowany do Oscara operator Remi Adefarasin (Elizabeth, Zanim się pojawiłeś). Jego filozofia „wzmożonego realizmu” jest widoczna w wyglądzie filmu, który został nakręcony kamerami ARRI Alexa z obiektywami Cooke S4, aby uchwycić uświęconą atmosferę oksfordzkich kolegiów – w tym Magdalen, St Hugh’s i Hertford – bez uciekania się do desaturacji czy nadmiernie błyszczącego filtra. Adefarasin stosuje klasyczne podejście kinematograficzne, preferując przemyślane ruchy wózka kamerowego nad nerwową pracą z ręki i wykorzystując naturalistyczne oświetlenie, które unika silnej saturacji czy wielokrotnych cieni. To osadza wielkie emocje historii w namacalnym, wiarygodnym świecie. Budowanie świata jest dodatkowo zdefiniowane przez scenografię Catrin Meredydd, której dorobek obejmuje teksturalne, psychologicznie wnikliwe środowiska Broadchurch i Czarne lustro: Bandersnatch. Jej praca kontrastuje starożytne sale uniwersytetu z żywiołowością współczesnego życia studenckiego, wykorzystując przestrzenie fizyczne do odzwierciedlenia tematycznych napięć filmu. Najbardziej niekonwencjonalnym wyborem twórczym jest powierzenie skomponowania muzyki Isabelli Summers. Najbardziej znana jako kluczowa architektka brzmienia zespołu Florence and the Machine, Summers wnosi eklektyczną i eksperymentalną wrażliwość, doskonaloną przy złożonych dramatach, takich jak Małe ogniska wszędzie i Kochanek Lady Chatterley. Czerpiąc z tak różnorodnych wpływów jak hip-hop, RZA i klasyczne ścieżki dźwiękowe z Jamesa Bonda, jej styl kompozytorski często zaczyna się od sampli i skupienia na „tętnie piosenki”, co sugeruje pejzaż dźwiękowy daleki od konwencjonalnej ścieżki dźwiękowej romansu. Jej muzyka prawdopodobnie funkcjonuje jako emocjonalny kontrapunkt, wprowadzając nowoczesną, być może melancholijną i szorstką warstwę, która uzupełnia wyrafinowaną estetykę wizualną filmu.
Analiza końcowa
Ostatecznie Miłość w Oksfordzie prezentuje się jako ćwiczenie z podnoszenia rangi gatunku. Bierze znaną strukturę dramatu romantycznego i nadaje jej artystycznej powagi poprzez wyrafinowaną reżyserię i doskonałe rzemiosło filmowe. Zgromadzenie prestiżowej ekipy technicznej – od klasycznej kinematografii Adefarasina po eksperymentalną partyturę Summers – oraz zniuansowane podejście reżyserskie mają na celu pogłębienie emocjonalnego rezonansu historii zbudowanej na dobrze ugruntowanym motywie narracyjnym. Sukces filmu będzie zależał od jego zdolności do zharmonizowania tych elementów, decydując, czy jego dopracowana, atmosferyczna powierzchnia z powodzeniem wzbogaci jego konwencjonalny rdzeń, czy też stworzy nierozwiązaną dysonans. Jest to znacząca pozycja w ewoluującej strategii treściowej dystrybutora, wskazująca na rosnące inwestycje w bardziej ambitne artystycznie kino gatunkowe. Narracja, w swoim badaniu kruchości życia i wyborów, które je definiują, ostatecznie odzwierciedla sentyment wyrażony przez główną aktorkę: że film „w każdej klatce potwierdza przekonanie, że życie jest zbyt krótkie, by nie przeżyć go w miłości. By nie przeżyć go w radości”.
Miłość w Oksfordzie miał premierę na platformie Netflix 1 sierpnia 2025 roku.
