Nowy południowokoreański serial Aema zadebiutował globalnie na platformie streamingowej Netflix, prezentując historyczną komediodramę, która zagłębia się w jeden z najbardziej burzliwych i sprzecznych okresów w nowoczesnej historii kulturalnej narodu. Osadzony w sercu koreańskiego przemysłu filmowego, znanego jako Chungmuro, na początku lat 80., sześcioodcinkowy serial konstruuje fabularyzowaną narrację wokół produkcji prawdziwego i historycznie znaczącego filmu: erotycznego dzieła z 1982 roku, Madame Aema. Film ten był sensacją kasową, która skutecznie zapoczątkowała boom na kino erotyczne, gatunek, który zdefiniował znaczną część popularnej produkcji filmowej dekady. Serial jednak wykorzystuje to historyczne wydarzenie nie jako temat biografii, ale jako katalizator do zbadania systemowych nacisków, polityki płci i artystycznych kompromisów, które definiowały tworzenie filmów pod autorytarnym reżimem. Narracja napędzana jest przez przecinające się trajektorie dwóch kobiet z przeciwnych krańców zawodowego spektrum. Jung Hee-ran, grana przez Lee Hanee, jest uznaną, nagradzaną aktorką u szczytu kariery, która jednak zmaga się z redefinicją swojego publicznego wizerunku i ucieczką od szufladkowania, które przyniosło jej sławę. Naprzeciw niej stoi Shin Joo-ae, niezwykle ambitna debiutantka grana przez Bang Hyo-rin, która rozpoczyna serial jako tancerka stepująca w nocnym klubie z aspiracjami do gwiazdorstwa. Centralny konflikt rozpala się, gdy Hee-ran, w decydującym akcie zawodowej samoobrony, odrzuca główną rolę w Madame Aema po przejrzeniu scenariusza pełnego, jak uważa, nadmiernych i nieuzasadnionych scen nagości. Ta odmowa tworzy próżnię, którą oportunistyczna Joo-ae chętnie wypełnia, zdobywając rolę i przygotowując grunt pod złożoną zawodową rywalizację. Ta dynamika rozwija się w zdominowanym przez mężczyzn przemyśle, gdzie kobieca sprawczość jest nieustannie kwestionowana, ustanawiając od pierwszych chwil główny obszar tematyczny serialu. Klasyfikacja serialu jako komediodramy jest kluczowym wskaźnikiem jego strategii tonalnej i intelektualnej. Zamiast podchodzić do poważnej tematyki z czystą powagą, Aema wykorzystuje elementy komediowe i satyryczne do analizy absurdów struktur władzy i obyczajów społecznych epoki, pozycjonując dzieło jako wyrafinowany komentarz krytyczny, a nie prosty melodramat historyczny.
Paradoksalny krajobraz Chungmuro lat 80.
Aby w pełni zrozumieć presje narracyjne kształtujące postacie w Aema, należy zrozumieć unikalny i głęboko paradoksalny krajobraz społeczno-polityczny Korei Południowej na początku lat 80. Serial osadzony jest w czasach autorytarnego reżimu wojskowego prezydenta Chun Doo-hwana, którego rządy w latach 1980-1988 są pamiętane jako jeden z najciemniejszych okresów w nowoczesnej historii narodu, era intensywnej represji politycznej i ograniczonych swobód obywatelskich. W przedstawieniach filmowych okres ten jest niemal niezmiennie ukazywany w ponurej palecie wizualnej, charakteryzującej się stonowanymi kolorami i ciężkimi cieniami, odzwierciedlającymi opresyjny nastrój narodowy, jak widać w filmach takich jak 12.12: The Day i 1987: When the Day Comes. Rząd Chuna, dążąc do stłumienia publicznego sprzeciwu i odwrócenia uwagi od swoich działań politycznych, wdrożył tak zwaną „Politykę 3S”: sponsorowaną przez państwo promocję Ekranu (kina), Seksu (erotyzmu w kulturze popularnej) i Sportu. Chociaż istnieje pewna debata historyczna dotycząca formalnej kodyfikacji tej polityki, serial przedstawia ją jako wyrachowany instrument pacyfikacji politycznej, mający na celu zapewnienie masom rozrywki i ujścia dla frustracji. Kluczowym elementem tej strategii było aktywne wspieranie przemysłu filmów erotycznych. Zniesienie w 1982 roku 36-letniej ogólnokrajowej godziny policyjnej stworzyło nowy rynek dla nocnej rozrywki, co doprowadziło do powstania „filmów o północy”, z których Madame Aema była pierwszym i najbardziej wybuchowym sukcesem. Jednak to usankcjonowane przez państwo promowanie treści seksualnych było połączone z równie potężną i sprzeczną siłą: rygorystycznym i często arbitralnym systemem cenzury państwowej. Twórcy filmowi znaleźli się w niestabilnym i schizofrenicznym środowisku twórczym. Byli popychani przez politykę rządu i popyt rynkowy do produkcji treści o charakterze jednoznacznie seksualnym, a jednocześnie poddawani nieprzewidywalnym kaprysom cenzorów, którzy mogli żądać cięć lub zmian, skutecznie pozbawiając ich wolności wypowiedzi. Ta fundamentalna sprzeczność nie jest jedynie tłem historycznym w Aema; funkcjonuje jako główny motor narracji. Zewnętrzne naciski, które uderzają w postacie — od nieustannych żądań producenta dotyczących nagości w celu spełnienia oczekiwań komercyjnych, przez pragnienie reżysera tworzenia sztuki w otoczeniu prostackiego komercjalizmu, po zmagania aktorów z wyzyskującymi scenami — są bezpośrednimi konsekwencjami tej paradoksalnej polityki państwowej. Serial postuluje, że w tej epoce życie osobiste i zawodowe artystów było nierozerwalnie związane z politycznymi machinacjami autorytarnego państwa, tworząc mikrokosmos szerszych napięć społecznych tamtych czasów.
Narracja o rywalizacji i solidarności
Dramatyczny rdzeń Aema tkwi w zawiłej, ewoluującej relacji między dwiema głównymi bohaterkami, których osobiste i zawodowe podróże służą jako potężna soczewka, przez którą serial bada politykę płci w koreańskim kinie lat 80. Narracja skrupulatnie śledzi ich dynamikę, która przekształca się z ostrej rywalizacji w odporny i znaczący sojusz. Wątek postaci Jung Hee-ran to opowieść o oporze i odzyskiwaniu kontroli. Grana przez Lee Hanee, jest czołową gwiazdą, która zbudowała swoją karierę na popularnych w latach 70. „filmach o hostessach”, które często przedstawiały barmanki i prostytutki, utrwalając jej wizerunek symbolu seksu. Teraz, w kluczowym momencie swojej kariery, jest zdeterminowana, by wyjść poza tę postać i być rozpoznawana wyłącznie za swój talent aktorski. Jej odmowa przyjęcia głównej roli w Madame Aema nie jest aktem pruderii, ale wyrachowanej zawodowej samostanowienia, sprzeciwem wobec dalszego szufladkowania i wykorzystywania. Ten akt buntu nie przynosi jej jednak wolności. Jest związana kontraktem z producentem filmu, odrażającym i manipulatorskim Gu Joog-ho (Jin Seon-kyu), który wykorzystuje lukę w ich umowie, by zmusić ją do upokarzającej roli drugoplanowej w tym samym filmie, który odrzuciła. To zmusza ją do poruszania się po produkcji z kompromisowej pozycji, co prowadzi do momentów wybuchowej konfrontacji, w tym fizycznej sprzeczki z producentem i wyzywającej obietnicy: „Joong-ho, chodźmy do piekła”. W ostrym kontraście, wątek Shin Joo-ae to bildungsroman o ambicji i rozczarowaniu. Grana przez debiutantkę Bang Hyo-rin, Joo-ae jest postacią o surowej ambicji, tancerką stepującą, która postrzega zwolnioną główną rolę w Madame Aema jako jedyną w swoim rodzaju szansę. Zuchwale deklaruje zamiar zostania „następną Jeong Hee-ran”, sygnalizując chęć zastąpienia swojej idolki. Początkowo jest gotowa zrobić wszystko, by odnieść sukces, w tym podporządkować się wyzyskującym żądaniom branży. Jednak w miarę postępu produkcji jej iluzje systematycznie się rozwiewają. Konfrontuje się z rzeczywistością swojej roli, zmuszona do odgrywania „bezsensownych, jednoznacznych scen” dyktowanych przez producentów i cenzorów, i na własnej skórze doświadcza wszechobecnej mizoginii w branży. Jej podróż jest bolesna, ale transformująca, prowadząc ją od naiwnej ambicji do rozwiniętej świadomości krytycznej na temat systemu, który próbowała podbić.
Początkowo relacja między dwiema kobietami jest zdefiniowana przez tarcia. Hee-ran, niepewna z powodu odsunięcia na boczny tor i urażona swoją następczynią, utrudnia życie debiutantce na planie. Jednak gdy obie znoszą machinacje mężczyzn u władzy, ich wspólne doświadczenie systemowej opresji zaczyna tworzyć nieprawdopodobną więź. Ich rywalizacja powoli ustępuje miejsca „delikatnej solidarności”. Zaczynają rozumieć, że ich prawdziwym wrogiem nie są one nawzajem, ale patriarchalny system, który stawia je przeciwko sobie w walce o resztki władzy i szacunku. Ta ewolucja od antagonistek do sojuszniczek, zjednoczonych we wspólnym postanowieniu przeciwstawienia się wyzyskowi, stanowi emocjonalne i tematyczne serce serialu. Ta podróż jest obramowana działaniami męskich postaci, które reprezentują korumpujące siły branży. Gu Joog-ho, prezes Shinsung Films, jest ucieleśnieniem cynicznego komercjalizmu. Opisywany jako „podejrzany producent”, który „nie cofnąłby się przed niczym, by przetrwać” w konkurencyjnym świecie Chungmuro, postrzega swoich aktorów jako towary, a sztukę jako produkt do sprzedania. Jego przeciwieństwem jest debiutujący reżyser, Kwak In-woo (Cho Hyun-chul). Charakteryzowany jako „nieśmiały”, „niezręczny” i „skryty”, In-woo jest aspirującym artystą, który chce nakręcić film z „subtelną erotyką”, ale znajduje się w potrzasku między własną wizją twórczą a nieustannym nawoływaniem producenta do „niekończących się biustów”. Reprezentuje on skompromitowanego artystę, walczącego o zachowanie integralności w systemie nastawionym na wyzysk. Serial wykorzystuje wyrafinowaną strukturę narracyjną, w której film w filmie staje się potężnym metakomentarzem na temat kobiecej sprawczości. Zmagania postaci na ekranie w Madame Aema bezpośrednio odzwierciedlają walki aktorek poza ekranem. Jak zauważa jedna z analiz: „Przetworzone przez proces filmowy, ekranowe pożądanie seksualne bohaterek Madame Aema staje się pragnieniem sprawczości aktorek, które je grają”. Walka Hee-ran z odgrywaniem scen nagości i dyskomfort Joo-ae z nieuzasadnionymi treściami nie są zwykłymi punktami fabularnymi; są to argumenty tematyczne dotyczące kontroli i uprzedmiotowienia kobiecego ciała zarówno w kinie, jak i w społeczeństwie. Co więcej, serial dokonuje subwersywnego wyboru strukturalnego w alokacji tonu. Główna narracja dramatyczna — złożona emocjonalna podróż od rywalizacji do solidarności w obliczu systemowego nadużycia — jest prowadzona niemal wyłącznie przez dwie główne bohaterki. W przeciwieństwie do tego, męska część obsady jest w dużej mierze odpowiedzialna za elementy komediowe, które często wynikają z ich grubiaństwa i szczytowej komedii żenady podczas reżyserowania i kręcenia scen erotycznych. Czyniąc męskie postacie autorytetu głównymi obiektami satyry, a postacie kobiece podmiotami poważnego, wciągającego dramatu, serial subtelnie odwraca tradycyjne dynamiki władzy narracyjnej, koncentrując się na doświadczeniu kobiet i używając humoru do krytyki samych fundamentów systemu patriarchalnego.
Autorska wizja Lee Hae-younga
Aema to telewizyjny debiut scenarzysty i reżysera Lee Hae-younga, filmowca, którego ugruntowany dorobek w kinie stanowi wyraźny kontekst dla stylistycznych i tematycznych ambicji serialu. Analiza jego filmografii ujawnia autora o wyrazistym głosie, charakteryzującego się płynnością gatunkową, wyrafinowaną wrażliwością wizualną i konsekwentnym zainteresowaniem postaciami poruszającymi się w opresyjnych strukturach społecznych. Jego poprzednie filmy obejmowały wiele gatunków, od kryminalnego kina akcji Wyznawca (2018) i szpiegowskiego thrillera Duch (2023), po tajemniczy horror The Silenced (2015) i komedie Foxy Festival (2010) oraz Like a Virgin (2006). W tych różnorodnych projektach jego praca była chwalona za „świeżą narrację”, „wrażliwą i subtelną reżyserię” oraz wyrafinowaną mise-en-scène, która łączy silną akcję z bardzo wyrazistymi postaciami. Tematyczne troski Aema nie są nowe w twórczości Lee. Jego najnowszy film, Duch, w którym również wystąpiła Lee Hanee, został zauważony za skupienie się na „solidarności kobiet w duszącym patriarchalnym społeczeństwie”, co jest centralnym tematem tego nowego serialu. W tym sensie Aema można postrzegać jako kontynuację i rozszerzenie jego artystycznych zainteresowań, stosując jego filmowe wrażliwości do epizodycznego formatu telewizji. Być może najbardziej uderzającym autorskim podpisem w Aema jest jego celowa i wysoce stylizowana estetyka wizualna. Serial świadomie odrzuca konwencjonalny język wizualny używany do przedstawiania ery Chun Doo-hwana. Zamiast oczekiwanych „stonowanych palet” i „gęstych cieni”, które oznaczają polityczną opresję, Lee Hae-young konstruuje lata 80. jako „olśniewający” i „zmysłowy” świat, „ucztę kalejdoskopowych kolorów i wspaniałej mody”. Nie jest to akt nostalgicznej romantyzacji, ale wyrachowana strategia krytyczna. Sam reżyser wyraził intencję stojącą za tym wyborem, stwierdzając, że im bardziej „olśniewające dźwięki i obrazy pojawiają się na powierzchni, tym wyraźniej przemoc tej barbarzyńskiej epoki przebije się jako przesłanie”. Ten estetyczny wybór funkcjonuje jako forma rewizjonizmu historycznego. Argumentuje wizualnie, że brutalność epoki nie była tylko kwestią jawnej represji politycznej, ale była również maskowana przez krzykliwą, odwracającą uwagę powierzchnię sponsorowanej przez państwo masowej kultury rozrywkowej. Żywa estetyka zmusza widza do konfrontacji z głęboką dysonansą między rozwijającym się, kolorowym przemysłem kulturalnym a ponurą rzeczywistością polityczną, którą miał on ukrywać. Ta strategia wizualna sprawia, że ukryta opresja wydaje się bardziej podstępna, podkreślając hipokryzję w sercu Polityki 3S.
Serial pojawia się również jako część szerszej rozmowy w ramach współczesnego kina południowokoreańskiego. Dzieli on znaczące stylistyczne i tematyczne DNA z innymi niedawnymi filmami, które ponownie analizują filmową przeszłość narodu. Jego założenie ma silne podobieństwo do Cobweb (2023) Kim Jee-woona, metakomedii i czułej farsy, która satyryzuje ego i niepewności ekipy filmowej w latach 70. Używając struktury filmu w filmie, Cobweb śledzi sfrustrowanego reżysera, który walczy z dyrektorami studia i cenzorami rządowymi, próbując ponownie nakręcić zakończenie swojego obrazu. Co więcej, wizualna finezja Aema i obsadzenie Lee Hanee w roli, która dekonstruuje kobiece archetypy, przypominają kultowy film Killing Romance (2023) Lee Won-suka. Ta absurdalna czarna komedia muzyczna również wykorzystywała żywy, surrealistyczny styl i mrocznie komiczną fabułę, aby zgłębić wyzwolenie kobiety od agresywnego, kontrolującego mężczyzny, jednocześnie krytykując kulturę celebrytów. Pojawienie się tych filmów sugeruje, że Aema nie jest dziełem odosobnionym, ale kluczowym wpisem w rozwijającym się podgatunku autorefleksyjnych filmów kostiumowych. Ten ruch pokazuje, jak współcześni koreańscy filmowcy angażują się w krytyczny dialog z własną historią narodową i filmową, używając narzędzi gatunku, stylu i metanarracji do ponownego zbadania traum i sprzeczności przeszłości z nowoczesnej perspektywy.
Fikcyjna soczewka na historyczną prawdę
Chociaż Aema jest głęboko zakorzeniona w konkretnym momencie historycznym, kluczowe jest zrozumienie jej związku z faktami. Serial jest dziełem fikcji historycznej, a nie dokumentem czy biografią. Film Madame Aema z 1982 roku był prawdziwym i niezwykle wpływowym zjawiskiem kulturowym, który znalazł się na szczycie list przebojów i doczekał się kilkunastu bezpośrednich kontynuacji oraz licznych spin-offów. Jednak postacie, które zaludniają serial — od aktorek Jung Hee-ran i Shin Joo-ae po producenta Gu Joog-ho i reżysera Kwak In-woo — są całkowicie fikcyjnymi tworami. Reżyser Lee Hae-young przyznał, że czerpał inspirację z udokumentowanych doświadczeń aktorek z tamtej epoki, w szczególności An So-young, gwiazdy oryginalnej Madame Aema, ale narracja nie trzyma się konkretnych wydarzeń z życia żadnej pojedynczej osoby. Ta celowa fikcjonalizacja jest strategicznym wyborem, który pozwala serialowi realizować głębszą i bardziej ekspansywną agendę tematyczną. Tworząc archetypowe postacie, zamiast być ograniczonym przez wierność biograficzną, narracja może swobodnie funkcjonować jako szerszy komentarz społeczny. Może skuteczniej badać systemowe problemy mizoginii, cenzury, kompromisu artystycznego i wyzysku korporacyjnego, które były endemiczne dla branży w tamtym czasie. Postacie stają się reprezentantami różnych sił w grze, co pozwala na bardziej skoncentrowane badanie dynamiki władzy epoki.
Znaczącą wagę temu podejściu nadaje zaangażowanie firmy produkcyjnej The Lamp Co., Ltd., która współprodukowała serial ze Studio Kik Co., Ltd. The Lamp Co. zbudowała sobie potężną reputację, produkując docenione przez krytyków i odnoszące sukcesy komercyjne filmy, które są skrupulatnie zbadane i oparte na prawdziwych wydarzeniach historycznych. Ich filmografia obejmuje takie przełomowe tytuły jak A Taxi Driver (2017), który udramatyzował powstanie w Gwangju; Mal-Mo-E: The Secret Mission (2019), o zachowaniu języka koreańskiego pod japońskimi rządami kolonialnymi; Samjin Company English Class (2020), oparty na prawdziwym skandalu korporacyjnym; oraz Duch (2023), thriller szpiegowski również w reżyserii Lee Hae-younga z Lee Hanee w roli głównej. Powiązanie domu produkcyjnego znanego z zaangażowania w autentyczność historyczną z projektem, który jest jawnie fikcyjny, jest znaczącą decyzją twórczą. Sugeruje to wiarę, że w tym przypadku narracja fikcyjna jest potężniejszym nośnikiem do przekazania emocjonalnej i systemowej prawdy lat 80. niż mogłoby to być w przypadku ściśle faktograficznego odtworzenia. Sygnalizuje to widzom, że chociaż historia nie jest dosłownie prawdziwa, ma być traktowana poważnie jako interpretacja historyczna, równoważąc żywe, komediowe i dramatyczne elementy serialu z podskórnym nurtem dziennikarskiej i historycznej rzetelności. Ostatecznie Aema prezentuje się jako złożone, nowoczesne ponowne zbadanie kluczowego i kontrowersyjnego momentu w koreańskiej historii kulturalnej. Wykorzystuje swoją fikcyjną ramę i wyrazistą autorską wizję do badania trwałych tematów kobiecej solidarności, ceny artystycznej integralności oraz zawiłej, często niebezpiecznej relacji między sztuką, handlem i polityką.
Sześcioodcinkowy serial Aema jest już dostępny na całym świecie. Jego premiera na platformie Netflix odbyła się 22 sierpnia 2025 roku.
