Marisa Merz, artystka arte povera, która zaczęła od rzeźb w kuchni

Pierwsza wielka rzeźba Marisy Merz przez wiele miesięcy nie opuszczała domu. Nożycami cięła aluminiową blachę, zszywała paski w zwoje i spirale, a potem zawieszała je pod sufitem kuchni w turyńskim mieszkaniu, które dzieliła z artystą Mario Merzem. Z czasem kształty wpełzły do salonu i oplotły telewizor. Jej córka wspomina, że się ich bała. Miejscami metal wciąż jest lekko pożółkły od dymu papierosowego i tłuszczu kuchennego.

Nazwała te prace Living Sculpture; jedna z nich znajduje się dziś w Tate Modern, a druga w GAM, miejskiej galerii sztuki nowoczesnej w Turynie. Trudniej uchwycić samą artystkę. Była jedyną kobietą związaną z Arte Povera, włoskim ruchem czerpiącym z liny, szmat, ziemi i złomu, a przez większą część kariery krytycy przedstawiali ją przede wszystkim jako żonę jednej z czołowych postaci nurtu. Wiele prac pozostawiła bez dat i tytułów, a dokumentów zachowało się po niej tak niewiele, że źródła wciąż nie są zgodne co do roku jej urodzenia. Turyn upamiętnia teraz jej stulecie retrospektywą w trzech instytucjach, która podejmuje pytanie, na które artystka przez całe życie nie chciała odpowiedzieć.

Udokumentowana historia zaczyna się w Turynie, gdzie przyszła na świat 23 maja 1926 roku, a jej ojciec pracował dla Fiata. W latach 40. pozowała malarzowi Felice Casoratiemu. Poza tym kuratorzy jej pierwszej amerykańskiej retrospektywy z 2017 roku informowali, że nie udało im się znaleźć niemal żadnych informacji o jej życiu sprzed 1960 roku — nawet aktu urodzenia. W tym samym roku poślubiła Maria Merza, a na świat przyszła ich córka, Beatrice.

Rzeźby kuchenne powstały w 1966 roku, gdy artystka przebywała w domu z małym dzieckiem. „Wycinałam te rzeczy i zszywałam je ze sobą; wszystko miało swój rytm, a także swój czas, mnóstwo czasu” — mówiła później. „Wszystko miało taki sam priorytet: Bea i rzeczy, które szyłam”. Tytuł nawiązywał do nowojorskiej grupy teatralnej Living Theatre, a aluminium wkrótce dostało drugie życie jako wnętrzności potwora w Il mostro verde, undergroundowym filmie krótkometrażowym Tonina De Bernardiego i Paola Menzia.

W 1967 roku, gdy marszand Gian Enzo Sperone pokazał rzeźby w swojej turyńskiej galerii, krytyk Germano Celant ukuł termin Arte Povera, ale na pierwszej wystawie pod tym szyldem zabrakło Merz. Do ruchu weszła bocznymi drzwiami. W październiku 1968 roku wzięła udział w wydarzeniu Arte Povera + Azioni Povere w Amalfi, obok Michelangela Pistoletta, Alighiera Boettiego, Giovanniego Anselma i męża, a jej materiały zmieniły się: aluminium ustąpiło miejsca dzianemu drutowi miedzianemu i nylonowej nici. Scarpette z 1968 roku to pantofle wydziergane na miarę jej własnych stóp i stóp córki. W rzymskiej galerii L’Attico założyła je podczas akcji, jakby rzeźba była po prostu częścią jej stroju. Na innej pracy ściennej z kłębków nylonowej siatki ułożyła zdrobnienie imienia dziecka; tkwiące w niej druty do dziergania nadal nie zostały wyjęte.

Pierwszej indywidualnej wystawie w L’Attico, w 1970 roku, towarzyszyła akcja na plaży we Fregene, gdzie artystka ułożyła wzdłuż brzegu zwinięte koce. W tym samym roku odbyła lot małym prywatnym samolotem i potraktowała podróż, udokumentowaną na zdjęciach, jako samodzielne dzieło. Wers z jednego z jej wierszy o tej wyprawie — „niebo jest wielką przestrzenią” — stał się później tytułem jej amerykańskiej retrospektywy. W 1975 roku na drugiej wystawie w L’Attico zgromadziła miedziane sploty, miskę soli, buty i pracę z imieniem pod zdaniem, które brzmi jak opis metody: Ad occhi chiusi gli occhi sono straordinariamente aperti — z zamkniętymi oczami oczy są niezwykle otwarte.

Od połowy lat 70. jej prace zaczęły obejmować całe pomieszczenia, przenosząc się między publiczną przestrzenią galerii a ukrytym wnętrzem piwnicy; pojawił się też nowy temat: ludzka twarz. Małe głowy z niewypalanej gliny, wosku i gipsu, czasem pokryte płatkami złota lub oplecione miedzianym drutem, towarzyszyły jej przez ponad czterdzieści lat. W 1980 roku stworzyła E il naufragar m’è dolce in questo mare, której tytuł zaczerpnęła z ostatniego wersu poematu Giacoma Leopardiego L’infinito — najpierw dla turyńskiej galerii Tucci Russo, a później na Biennale w Wenecji. Documenta w Kassel zaprosiła ją w 1982, a potem ponownie w 1992 roku; w 1994 roku Centre Pompidou zorganizowało jej wystawę indywidualną.

Zwyczajowa opowieść przedstawia późne uznanie dla Merz jako naprawienie błędu: wreszcie dostrzeżono pomijaną żonę. Rzeczywistość jest bardziej złożona. Recenzując jej retrospektywę w Met Breuer na łamach „The New Yorker”, Peter Schjeldahl porównał parę do Diega Rivery i Fridy Kahlo, a kurator Ian Alteveer powiedział mu, że Mario regularnie zasięgał jej rady przy aranżacji własnych wystaw. Wpływy działały w obie strony, ale zapisano tylko jeden kierunek. Merz odmawiała też określania siebie i swojej sztuki mianem feministycznych, do tego stopnia, że usunęła to słowo z tytułu eseju w katalogu, choć jej kuchnia, robótki na drutach i pantofle córki czyniły z niej dla krytyczek feministycznych najbardziej oczywisty przykład artystki tego nurtu. W Castello di Rivoli kuratorzy przygotowali to, co nazywają rozszerzoną retrospektywą: zestawili jej prace z dziełami dziesięciu artystek młodszych pokoleń, wśród nich Tacity Dean, Miriam Cahn i Lary Favaretto. To hojny gest, ale zarazem kolejna odsłona ramy — kobieta wśród kobiet — którą Merz przez dekady omijała.

Uznanie przyszło z Wenecji. W 2001 roku otrzymała Specjalną Nagrodę Jury na 49. Biennale, a w 2013 roku 55. edycja, której kuratorem był Massimiliano Gioni, przyznała jej Złotego Lwa za całokształt twórczości; tego samego roku nagrodę otrzymała także austriacka malarka Maria Lassnig. Owdowiała w 2003 roku, a w wieku dziewięćdziesięciu lat wciąż tworzyła w Turynie, gdy w styczniu 2017 roku w nowojorskim Met Breuer otwarto The Sky Is a Great Space, jej pierwszą dużą amerykańską retrospektywę. Później wystawa trafiła do Hammer Museum w Los Angeles. Merz zmarła w Turynie 19 lipca 2019 roku, w wieku 93 lat. Jej ostatnia wystawa indywidualna, Geometrie sconnesse palpiti geometrici, została otwarta dwa miesiące później w MASI w Lugano.

Od tamtej pory spuścizną artystki opiekuje się Beatrice Merz za pośrednictwem turyńskiej Fondazione Merz, dbając o to, by jej prace nadal podróżowały; w 2025 roku Kunstmuseum Bern zorganizowało największy w historii przegląd jej twórczości w Szwajcarii. 29 października 2026 roku otworzy się La danza delle ore, czyli Taniec godzin, podzielony na trzy rozdziały i prezentowany do 4 kwietnia 2027 roku. Castello di Rivoli odtworzy instalację Leopardiego z 1980 roku w swojej Manica Lunga. Fondazione Merz przyjrzy się procesowi twórczemu artystki, temu, jak wybierała przedmioty i równoważyła je tak, by wyglądały, jakby miały zaraz upaść. W GAM Living Sculpture z 1966 roku ponownie zostanie pokazana publiczności po konserwacji w centrum konserwatorskim La Venaria Reale.

Aluminium, które niegdyś wypełniało rodzinną kuchnię, wraz ze śladami dymu wraca więc do publicznego muzeum w mieście, w którym zostało pocięte. Przesłanie pozostaje niezmienne: godziny spędzone w domu, na opiece nad dzieckiem i cięciu metalu przy tym samym stole, nigdy nie były czasem gorszej kategorii.

Tagi: artists, sztuka włoska, arte povera, Marisa Merz, Germano Celant, La danza delle ore

Powiązane osoby

Henri Matisse

Remedios Varo

Louise Bourgeois

Claude-Joseph Vernet

Lucio Fontana

Alex Katz