Alex Katz, malarz, który w jasności obrazu znalazł swój radykalny argument

Alex Katz

Photo: Unknown / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Urodzony	24 lipca 1927 Brooklyn, New York, United States
Zawód	Malarz
Nagrody	John Simon Guggenheim Memorial Fellowship (1972) · American Academy and Institute of Arts and Letters (1988) · Lifetime Achievement Award, National Academy of Design (2007) · National Medal of Arts (2024)

Pytanie, na które Alex Katz nigdy nie zadał sobie trudu, by odpowiedzieć, było tym, które amerykańskie malarstwo w latach 50. i 60. XX wieku uznawało za jedyne warte zadania: co to znaczy malować od wewnątrz? Ekspresjoniści abstrakcyjni mieli odpowiedź – gest, skalę, psychiczną konieczność. Katz miał inny projekt. Chciał malować twarz Ady dokładnie tak, jak wyglądała w popołudniowym świetle, i niezbyt interesowało go teoretyzowanie na ten temat.

To, co robił, było trudniejsze do zlekceważenia, niż się wydawało. W tym samym roku, w którym drip painting Jacksona Pollocka dominował w dyskusji, Katz rozwijał styl, który spłaszczał wszystko – formę, cień, hierarchię – w duże pola koloru przerywane specyficznym konturem twarzy, drzewa, sukienki koktajlowej. Dorastał w Queens, jako syn żydowskich imigrantów z Odessy. Jego ojciec posiadał tam fabrykę, zanim rewolucja radziecka zakończyła ten rozdział rodzinnej historii. Katz studiował w Cooper Union pod koniec lat 40., a następnie spędził formacyjne lato w Skowhegan School w Maine, odkrywając krajobraz, do którego miał wracać przez całe życie. Jego pierwsza indywidualna wystawa miała miejsce w 1954 roku w Roko Gallery. W następnej dekadzie zniszczył około 1000 płócien – nie z rozpaczy, ale z precyzji. Szukał czegoś konkretnego i wyrzucał wszystko, co nim nie było.

To, co znalazł, było sposobem malowania, który zawdzięczał tyle samo japońskim drzeworytom i kinu, co amerykańskiej tradycji. Wielkoformatowe prace, które zaczął tworzyć na początku lat 60., miały graficzną pewność plakatów. Czarna sukienka (1960) przedstawiała Adę sześciokrotnie w tej samej czarnej sukni koktajlowej, ułożonej jak filmowa płyta kontaktowa. Czerwony uśmiech (1963), o szerokości prawie dziesięciu stóp, umieszczał jej profil na tle czerwieni, która funkcjonowała mniej jako tło, a bardziej jako atmosfera – kolor pokoju, którego nie można było opuścić. Niebieski parasol I (1972) podniósł stawkę jeszcze bardziej, osiągając wymiary bliższe architekturze niż malarstwu. Najdroższy Katz, jaki trafił na aukcję, przekroczył trzy miliony funtów szterlingów. Nic z tego nie wynikało z gonienia za rynkiem. Rynek przyszedł powoli, przez dziesięciolecia, i zastał malarza, który przez cały czas podejmował te same wyliczone decyzje.

Publiczne ambicje były również dosłowne. W 1977 roku Katz umieścił billboard na Times Square: 23 portretowe głowy rozciągnięte na 247 stóp, o wysokości 20 stóp. Trzy lata później ukończył mural dla budynku Prokuratury USA na Foley Square. Praca wychodziła na zewnątrz, podczas gdy jej logika pozostawała całkowicie wewnętrzna – twarze, miejsca, światło.

Ada Del Moro, którą Katz poznał na wernisażu w 1957 roku i poślubił 1 lutego 1958 roku, stała się tematem ponad 250 portretów w trakcie ich małżeństwa. Jest jedną z najczęściej malowanych kobiet w historii amerykańskiej sztuki, jednak obrazy te opierają się psychologicznej interpretacji w sposób, który niepokoi krytyków. Nie mówią ci, o czym myśli Ada. Mówią ci, co robiło światło w momencie, gdy Katz patrzył. Czy to ograniczenie, czy zasada – to centralny spór o jego twórczość od 60 lat.

Ten spór warto rozważyć bezpośrednio. Płaskość afektu w portretach Katza – powierzchnia, która oddaje informacje o postawie, kolorze i kroju płaszcza, ale wstrzymuje wewnętrzny dramat, który malarstwo olejne historycznie ma ujawniać – dla niektórych krytyków jest unikiem. Robert Storr zidentyfikował w dziele „nowy i charakterystyczny typ realizmu w sztuce amerykańskiej, łączący aspekty abstrakcji i reprezentacji”, co jest jednym ze sposobów opisania tego. Innym jest to, że Katz znalazł sposób, aby to widz dostarczał psychologię, którą malarz wstrzymał, i że to wstrzymywanie samo w sobie jest formą kontroli. Obrazy nie zwierają się. Prezentują.

Od 2022 roku pracuje na podstawie zdjęć z iPhone’a – to samo analityczne oko zastosowane do nowego materiału źródłowego. Seria Four Seasons, pokazana w SCAI PIRAMIDE w Tokio latem 2025 roku, przełożyła migawki z Maine na wielkoformatowe płótna z tą samą rządzącą klarownością, którą stosował do wszystkiego. Następnie powstała seria białych lotosów, tym razem z plażowych fotografii z Maine. Późną jesienią 2025 roku nowe obrazy w Gladstone Gallery w Nowym Jorku badały pojedynczą pomarańczę na białym tle – drogi Maine, zredukowane do ich zasadniczej temperatury.

24 lipca 2026 roku skończył 99 lat. W miesiącach wokół tych urodzin jego prace pojawiły się w Tybindze, Londynie, Salzburgu i Seulu. Colby College Museum of Art w Maine zorganizowało przegląd rysunków. Narodowy Medal Sztuki, który otrzymał w Białym Domu w październiku 2024 roku, odnotował jego twórczość jako przywołanie trwałego portretu Ameryki. To, co Katz faktycznie przywołał, jest bardziej konkretne: trwały portret tego, co kosztuje uważne przyglądanie się zwykłym rzeczom przez 70 lat i opieranie się presji wyjaśniania tego, co się znajduje.

Tagi: artists, artyści wizualni, sztuka amerykańska, Ada Katz, Alex Katz, Blue Umbrella I