Lucio Fontana i cięcie płótna, które wydawało się zbyt proste, by było sztuką

Lucio Fontana

Photo: DarioBurul1 / CC0, via Wikimedia Commons

Urodzony	19 lutego 1899 Rosario
Zmarł	7 września 1968 (69)
Zawód	Rzeźbiarz i malarz
Nagrody	Nagroda Główna za Malarstwo, Biennale w Wenecji · Srebrny Medal za Odwagę Wojskową

Rozcięcie płótna zajmuje mniej więcej sekundę. Właśnie na tym polega pułapka zastawiona przez Lucio Fontanę na każdego, kto staje przed jednym z jego Attese: gest wydaje się tak łatwy, że oko nie chce uznać go za dzieło, a zarazem tak ostateczny, że nikomu nie udało się go powtórzyć, nie sprawiając wrażenia, że cytuje artystę. Fontana nigdy nie namalował obrazu przestrzeni. Rozcinał powierzchnię, podszywał ranę czarną gazą i wpuszczał do obrazu ciemność, która kryła się za płótnem, zmieniając najstarsze podobrazie zachodniego malarstwa w obiekt mający własne wnętrze.

Cięcie było zwieńczeniem długiej drogi, którą czyste, białe płótna zwykle przesłaniają. Jego ojciec, Luigi Fontana, był włoskim rzeźbiarzem pracującym w Rosario, w argentyńskiej prowincji Santa Fe; właśnie tam Lucio przyszedł na świat, w ostatniej zimie XIX wieku. Wychowywali go ojciec i macocha, Anita Campiglio, a gdy miał sześć lat, wysłano go do Włoch na naukę. Kiedy wybuchła I wojna światowa, zgłosił się na ochotnika, dosłużył się stopnia podporucznika piechoty i został ranny na froncie karsu. Wrócił do domu ze srebrnym Medalem za Męstwo Wojskowe.

Po wojnie wrócił do Rosario, gdzie urodził się 19 lutego 1899 roku, pracował w pracowni ojca, a potem otworzył własną, stopniowo odchodząc od ojcowskiego realizmu ku kanciastym postaciom Alexandra Archipenki. W 1927 roku znów był w Mediolanie, gdzie rozpoczął studia w Akademii Brera pod kierunkiem rzeźbiarza Adolfa Wildta; jego kolegą był Fausto Melotti. Wildt widział w nim następcę, który będzie tworzył wypolerowane, manierystyczne marmury. Jak opowiadał w 1963 roku, Fontana odpowiedział na te oczekiwania, odchodząc z akademii: uformował z grubsza bryłę gipsu na kształt siedzącego człowieka i oblał ją smołą. Mówił, że chce iść własną drogą. W 1930 roku w mediolańskiej Galleria del Milione odbyła się jego pierwsza wystawa indywidualna.

W latach 30. rozwijał równolegle dwa nurty twórczości. W Albisoli, na liguryjskim wybrzeżu, tworzył ceramikę o intensywnych barwach i niemal płynnych formach, a w 1935 roku dołączył do paryskiej grupy Abstraction-Création. O drugim nurcie retrospektywy zwykle milczą.

Wiadomo, że Fontana należał do Fasci di Combattimento już w 1920 roku, a wiele jego rzeźb publicznych z lat 30. powstało na zamówienie reżimu. Na Biennale w Wenecji w 1930 roku pokazał Vittoria fascista, a w tym samym roku wyrzeźbił popiersie Mussoliniego. W 1936 roku jego grupa rzeźbiarska przedstawiająca Zwycięstwo stanęła w sali honorowej Triennale w Mediolanie, przemianowanej na Salę Triumfu dla uczczenia inwazji na Etiopię. Z kolei w nowej siedzibie mediolańskiej federacji faszystowskiej umieszczono relief sufitowy przedstawiający pięć uzbrojonych, skrzydlatych Zwycięstw obładowanych łupami wojennymi; po 1945 roku w budynku mieścił się posterunek karabinierów. Nic z tego nie przekreśla późniejszego dorobku artysty, ale komplikuje obraz twórcy, który rzekomo od początku był czystym duchem epoki kosmicznej. Człowiek, który miał pisać manifesty o materii rozpływającej się w świetle, przez lata nadawał kształt politycznemu mitowi; trudno nie odczytywać późniejszego porzucenia postaci ludzkiej po części jako odejścia od kultury tego rodzaju zamówień.

II wojna światowa zmusiła go do powrotu na siedem lat do Argentyny, podczas gdy alianckie bombardowania zniszczyły jego mediolańską pracownię wraz z całym wyposażeniem. W Buenos Aires, w 1946 roku, założył wraz z grupą studentów akademię Altamira i pomógł opracować Manifiesto Blanco. Nie podpisał go, ale bez wątpienia miał wpływ na jego treść: głosił, że nową sztukę stworzą materia, kolor i dźwięk w ruchu. Po powrocie do Mediolanu w 1947 roku zainicjował Spatialism wraz z Beniaminem Joppolem, Giorgiem Kaisserlianem i Mileną Milani, a manifesty publikował do 1952 roku.

Pomysły szybko przybrały formę obiektów. W 1949 roku w Galleria del Naviglio pokazał Ambiente spaziale a luce nera — ciemne pomieszczenie, w którym pod światłem ultrafioletowym zawieszono dużą formę przypominającą amebę; dzieło często wymienia się jako jedną z pierwszych instalacji w nowoczesnym rozumieniu tego terminu. W tym samym roku zaczął nakłuwać płótna szydłem, tworząc serię znaną jako Buchi, i niemal wszystkim późniejszym obrazom nadawał ogólny tytuł Concetto spaziale. W 1951 roku, we współpracy z architektem Luciano Baldessarim, zawiesił nad głowami zwiedzających IX Triennale wijącą się neonową linię; praca znajduje się dziś w mediolańskim Museo del Novecento.

Cięcia pojawiły się pod koniec 1958 roku, a pokazano je rok później. Z czasem było ich coraz mniej, a same stawały się bardziej precyzyjne; wykonywał je na monochromatycznym tle, a na odwrocie umieszczał odręcznie zapisane zdanie — ironiczne lub absurdalne — które, jak głosi opowieść, miało zabezpieczać przed fałszerstwem. Wokół nich powstały rozcięte terakotowe kule z cyklu Nature, lśniące weneckie płótna z 1961 roku, jajowate obrazy z cyklu La fine di Dio, a pod koniec także oprawione w ramy gry cieni z cyklu Teatrini.

Publiczność nie od razu za nim podążyła. Kiedy na Biennale w 1949 roku pokazano płótna z dziurami, krytycy byli zbici z tropu, a zwiedzający się śmiali; cięcia atakowano właśnie dlatego, że wydawały się tak łatwe do skopiowania. Rynek sztuki odwrócił później tę argumentację: w 2015 roku żółte Concetto spaziale, La fine di Dio sprzedano w domu aukcyjnym Christie’s za 29,2 miliona dolarów — sumę, której wyśmiewający dzieło w Wenecji nie mogli sobie wyobrazić.

Uznanie przyszło późno, ale od razu na wielką skalę. Na Biennale w Wenecji w 1966 roku Fontana zaprojektował wspólnie z Carlo Scarpą owalną, białą salę z płótnami przeciętymi pojedynczym cięciem i zdobył główną nagrodę w dziedzinie malarstwa. W tym samym roku Walker Art Center zorganizowało jego pierwszą wystawę indywidualną w amerykańskim muzeum, a artysta wystąpił w haftowanym mundurze galowym w filmie Ugo Nespola La galante avventura del cavaliere dal lieto volto. W 1968 roku umieścił pojedyncze gipsowe cięcie w sercu całkowicie białego labiryntu na Documenta 4 w Kassel, po czym opuścił Mediolan i przeniósł się do Comabbio, rodzinnej wsi niedaleko Varese. Zmarł tam 7 września 1968 roku w wieku 69 lat. Jego żona, Teresita Rasini, którą poznał w 1930 roku i poślubił w 1952, założyła w 1982 roku Fondazione Lucio Fontana i przekazała jej ponad sześćset jego prac.

Fundacja dba o to, by twórczość Fontany pozostawała w obiegu. Po retrospektywach w Centre Pompidou i Met Breuer w 2025 roku odbyła się pierwsza muzealna wystawa poświęcona wyłącznie jego ceramice — w Peggy Guggenheim Collection w Wenecji. Do 19 grudnia 2026 roku Hauser & Wirth Hong Kong prezentuje wystawę Lucio Fontana: Spatialism. Pioneering the Contemporary, której kuratorem jest Luca Massimo Barbero; to pierwsza szeroko zakrojona prezentacja twórczości artysty w języku chińskim uproszczonym. Każda nowa publiczność spotyka się z tą samą ideą, którą Fontana wyraził cięciem noża: obraz może być progiem, a nie oknem, a to, co znajduje się za nim, również należy do dzieła.

Tagi: artists, artyści, Lucio Fontana, sztuka włoska, Biennale w Wenecji, Carlo Scarpa

Wyróżnione wiadomości — Lucio Fontana

Powiązane osoby

Wyróżnione wiadomości — Lucio Fontana

Giorgio Morandi wciąż współczesny? W Paryżu sprawdzają go Fontana i Albers

Powiązane osoby

Dyskusja