Louise Bourgeois, rzeźbiarka, która zmieniła sztukę po siedemdziesiątce

Louise Bourgeois

Photo: Unknown / CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

Urodzony	25 grudnia 1911 Paris, France
Zmarł	31 maja 2010 (98)
Zawód	Rzeźbiarka i artystka instalacji
Nagrody	Golden Lion · National Medal of Arts, USA, 1997 · Légion d'honneur, France, 1997 · Praemium Imperiale, Japan, 1999 · Wolf Prize in Arts, 2003

Pytanie, na które Louise Bourgeois przez całe życie odpowiadała w trzech wymiarach, było tym samym, które odziedziczyła w dzieciństwie: co robisz ze zdradą, która nie ma czystego rozwiązania? Jej ojciec, handlarz gobelinami w Paryżu, przez lata trzymał swoją angielską guwernantkę jako stałego gościa w domu – nie ukrywając tego układu, ale też go nie omawiając. Jej matka milczała. Rodzina funkcjonowała dalej. Bourgeois dorastała, tworząc sztukę z przestrzeni, w której powinno znaleźć się wyjaśnienie.

Była środkowym z trójki dzieci, urodzonym w Boże Narodzenie w Paryżu, w rodzinie, której utrzymanie opierało się na renowacji antycznych gobelinów – cierpliwej, drobiazgowej pracy naprawczej, którą nadzorowała jej matka Joséphine i którą sama Bourgeois pomagała wykonywać od dzieciństwa. Kiedy Joséphine zmarła w 1932 roku, Bourgeois porzuciła rozpoczęte na Sorbonie studia matematyczne i przeniosła się w stronę sztuki, przechodząc przez pracownie École des Beaux-Arts, Académie de la Grande Chaumière i atelier Fernanda Légera. W 1938 roku poślubiła amerykańskiego historyka sztuki Roberta Goldwatera i przeprowadziła się do Nowego Jorku, zabierając ze sobą problem swojego dzieciństwa w nowy język.

Jej pierwsze rozpoznawalne ciało prac, „Personages” z późnych lat 40. i wczesnych 50. XX wieku, to wysokie, samotne formy z malowanego drewna lub brązu, które układała w klastrach na podłogach galerii. Krytycy opisywali je jako architektoniczne i abstrakcyjne, znajdując w nich geometrię, którą mogli chwalić z bezpiecznej odległości. W rzeczywistości były populacją substytutów: przyjaciół i rodziny, których zostawiła we Francji, zgromadzonych w pokojach, w których nie mogli ze sobą rozmawiać. Rozpoczęła psychoanalizę w 1952 roku i kontynuowała ją przez trzydzieści lat, używając jej nie jako leczenia, ale jako metody utrzymywania materiału w stanie podatnym na obróbkę – żalu, szczególnej tekstury ojcowskiej zdrady – bez pozwalania mu stwardnieć w coś, czego nie można już było ukształtować.

Seria „Femme Maison” z tych samych dekad umieszczała kobiety wewnątrz architektury ich własnej domowości: postacie z domami zamiast głów lub ciała wchłonięte przez plany pięter. Obrazy były tak dosłowne, że wydawały się alegorią, i tak precyzyjne, że jej się opierały. „The Destruction of the Father” (1974) – duża instalacja z lateksu i gipsu wyobrażająca stół obiadowy przekształcony w scenę pożerania – było najprostszym stwierdzeniem, jakie kiedykolwiek zrobiła: fantazja o ojcach, o precyzyjnej teksturze konkretnego rodzaju wściekłości, oddana w trzech wymiarach jako mebel.

Przez prawie cztery dekady słownik krytyczny potrzebny do opisania twórczości Bourgeois albo nie istniał, albo był stosowany do innych ludzi. Świat sztuki lat 50. i 60. rozumiał wielkie ambicje jako należące do ruchów, manifestów, mężczyzn. Sztuka Bourgeois była intensywnie osobista w czasie, gdy to, co osobiste, uważano za rejestr niższej rangi – domowy, konfesyjny, drugorzędny. Te same prace, które później zostaną uznane za antycypujące teorię feministyczną, sztukę instalacji i konfesyjny zwrot lat 90., były niewidoczne w 1960 roku, ponieważ żadna instytucja nie zbudowała jeszcze dla nich kategorii. To przeoczenie nie było przypadkowe. Było kształtem tego, co historia sztuki była skłonna nazywać znaczącym.

Retrospektywa w MoMA w 1982 roku była pierwszą, którą muzeum poświęciło artystce. Bourgeois miała siedemdziesiąt lat. To, co wystawa ujawniła, nie było odkryciem, ale korektą: czterdzieści lat znaczącej pracy, która gromadziła się we względnej niejasności. Świat sztuki zrobił to, co instytucje robią, gdy są spóźnione – świętował głośno i poszedł dalej. W 1993 roku, mając osiemdziesiąt jeden lat, reprezentowała Stany Zjednoczone na Biennale w Wenecji, jako najstarszy artysta, który tego dokonał, przyjmując zaszczyt z equanimity, na którą w pełni zasłużyła.

Prace z cyklu „Cell”, które rozpoczęła pod koniec lat 80., to zamknięte przestrzenie – szklane i metalowe obudowy mieszczące konkretne przedmioty: lustra, tkaniny, butelki perfum, instrumenty medyczne – skonfigurowane jako kryminalistyczne dowody konkretnych wspomnień. Są to najbardziej kontrolowane rzeczy, jakie kiedykolwiek zrobiła: pokoje, do których nie można wejść, zbudowane wokół przedmiotów niosących precyzyjny ładunek. „Arch of Hysteria” (1993) zawieszała bezgłową, wyginającą się postać, którą większość widzów odczytywała jako kobiecą; Bourgeois opisała ją jako męską – mała korekta przyjętej narracji, dokonana cicho od wewnątrz dzieła.

„Maman” (1999/2000), pająk z brązu i stali nierdzewnej o wysokości ponad dziewięciu metrów z workiem trzydziestu dwóch marmurowych jaj pod odwłokiem, został zamówiony do inauguracyjnej Turbine Hall w Tate Modern. Tytuł nazywa jej podmiot: jej matkę, która również była tkaczką, której pracą było konstruowanie czegoś, co trzyma. Wiele odlewów z brązu stoi teraz na stałe w Bilbao, Ottawie, Tokio i Seulu. Rzeźba jest jednocześnie pomnikiem i pytaniem – ochrona i drapieżnictwo oddane w architektonicznej skali, cierpliwość uczyniona strukturalną.

Bourgeois zmarła 31 maja 2010 roku w wieku dziewięćdziesięciu ośmiu lat, ukończywszy swoje ostatnie prace na tydzień przed śmiercią. Wychowała trzech synów, spędziła trzydzieści lat na psychoanalizie i kontynuowała pracę w swoim nowojorskim studio do samego końca. Wiek, w którym żyła, mylił się co do jej twórczości przez większość swojego trwania; dekady po 1982 roku poświęcono na ustalenie, jak bardzo miał rację. Pająki stoją w miastach na całym świecie. Argument, który stawiała w latach 40. – o tym, co produkuje życie domowe, o tym, co dzieci niosą od dorosłych, którzy nie chcą się wytłumaczyć – nie został rozwiązany przez nikogo, kto przyszedł po niej.

Tagi: artists, Louise Bourgeois, sztuka feministyczna, Femme Maison, Maman, Robert Goldwater