Adrien Brody, od najmłodszego laureata Oscara dla najlepszego aktora do najdłuższej przemowy w historii gali

Adrien Brody

Photo: PhilipRomanoPhoto / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Urodzony	14 kwietnia 1973 New York City, New York, USA
Zawód	Aktor
Znany z	Grand Budapest Hotel, Pianista, Fantastyczny Pan Lis
Nagrody	Nagroda Satellite · Oscar · National Society of Film Critics Award for Best Actor · Boston Society of Film Critics Award for Best Actor · César · Black Reel Award for Best (wspólna) · Złoty Glob · Time 100 · BAFTA · Critics Choice · New York Film Critics Circle Award for Best Actor · Ellis Island Medal of Honor

Dwie noce wyznaczają publiczną historię Adriena Brody’ego — obie rozegrały się na tej samej scenie. Podczas pierwszej był szczupłym, wyraźnie oszołomionym młodym człowiekiem, który wbiegł po schodach, chwycił prowadzącą galę i ją pocałował, a potem gestem uciszył orkiestrę, bo chciał opowiedzieć o przyjacielu z Queens, który służył jako żołnierz w Kuwejcie. Podczas drugiej był już siwiejącym na skroniach weteranem: w drodze na scenę pstryknął gumą do żucia w stronę swojej partnerki, a potem mówił przez pięć minut i czterdzieści sekund — dłużej niż ktokolwiek przed nim, trzymając Oscara w ręku. Jedna noc uczyniła go najmłodszym w historii laureatem nagrody dla najlepszego aktora. Druga — autorem najdłuższej mowy w dziejach ceremonii.

To, co wydarzyło się pomiędzy tymi nocami, trudniej podsumować — i właśnie ta trudność jest w nim najciekawsza. Hollywood przyznało Brody’emu nagrodę, która zwykle otwiera aktorowi drogę do roli gwiazdy wielkiej filmowej serii, a on przez następne dwadzieścia lat konsekwentnie unikał takiej ścieżki. Grał brzuchomówcę, scenarzystę ściganego przez goryla, złoczyńcę Wesa Andersona w skórzanym płaszczu, surrealistycznego malarza z obsesją na punkcie nosorożców i trenera koszykówki z zaczesanymi do tyłu włosami. Malował ryby i hot dogi, a swoje prace sprzedawał na targach sztuki. Napisał scenariusz i muzykę do kameralnego dramatu o zemście, którego akcja rozgrywa się w dzielnicy, w której dorastał. Kiedy wreszcie otrzymał drugiego Oscara za The Brutalist, odebrano to nie tyle jako wielki powrót, ile przypomnienie: człowiek, którego zaszufladkowano jako aktora jednej roli, po prostu pracował gdzie indziej.

Syn fotografki z Queens

Adrien Nicholas Brody dorastał w Woodhaven w Queens jako jedyne dziecko dwojga ludzi, dla których obraz miał ogromne znaczenie. Jego matka, Sylvia Plachy, urodzona na Węgrzech fotografka, przez dekady publikowała zdjęcia w Village Voice; jako dziecko opuściła Budapeszt z rodzicami po radzieckiej pacyfikacji powstania w 1956 roku. Ojciec, Elliot Brody, uczył historii i malował; pochodził z rodziny polskich Żydów, którzy stracili bliskich w Holokauście. Sama Plachy wychowywała się z katolickim ojcem i żydowską matką, której rodzina również doświadczyła wojny. Brody urodził się 14 kwietnia 1973 roku w domu, w którym przymusowe przesiedlenia były częścią rodzinnej historii, a nie abstrakcyjnym pojęciem, zaś przy stole rozmawiało się o kompozycji, świetle i pamięci.

Znaczną część dzieciństwa spędził, jeżdżąc z matką na fotograficzne zlecenia po Nowym Jorku. Jak wspominał, ciągłe fotografowanie go w dzieciństwie sprawiło, że przed obiektywem czuł się wyjątkowo swobodnie, a obserwowanie, jak matka czeka na właściwy moment, nauczyło go cierpliwości, zanim jeszcze zrozumiał, czym jest aktorstwo. Pierwsze występy dawał nie na deskach teatru. Pod pseudonimem „The Amazing Adrien” pokazywał sztuczki magiczne na przyjęciach urodzinowych dla dzieci — prowadził mały interes oparty na sztuce odwracania uwagi, który później określał jako swoją pierwszą lekcję utrzymywania zainteresowania publiczności.

Rodzice zachęcali go do nauki aktorstwa częściowo po to, by zająć mu czas i trzymać go z dala od kłopotów, których w okolicy nie brakowało. W wieku trzynastu lat wystąpił już w przedstawieniu off-broadwayowskim. Później uczył się w Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts, manhattańskiej szkole, której lista absolwentów przypomina katalog obsady filmowej, a także uczęszczał na zajęcia w American Academy of Dramatic Arts. Po ukończeniu szkoły krótko studiował — najpierw na Stony Brook University, potem w Queens College — ale praca aktorska już na niego czekała.

Długa praktyka

Na ekranie zadebiutował w Home at Last, filmie telewizyjnym PBS z 1988 roku. W tym samym roku dostał stałą rolę w sitcomie CBS Annie McGuire, który doczekał się zaledwie kilku odcinków. Rok później pojawił się w niewielkiej roli w nowelowej New York Stories, w segmencie wyreżyserowanym przez Francisa Forda Coppolę. Żaden z tych występów nie zapowiadał tego, co miało nadejść. Przez większą część kolejnej dekady Brody pracował tak jak wielu młodych nowojorskich aktorów: regularnie, ale w rolach, które rzadko znajdowały się w centrum uwagi.

Za prawdziwy początek kariery uważa rolę z 1993 roku, kiedy Steven Soderbergh obsadził go w King of the Hill, dramacie o dorastaniu w czasach Wielkiego Kryzysu. Brody zagrał Lestera, czarującego, nieco niebezpiecznego starszego chłopaka, a ta rola po raz pierwszy zwróciła na niego uwagę krytyków. Potem przyszły drugoplanowe występy w Angels in the Outfield i Bullet, dramacie kryminalnym, w którym dzielił ekran z Mickeyem Rourke’em i Tupakiem Shakurem. Środowisko kina niezależnego traktowało go poważniej niż wielkie studia. Za rolę barmana i początkującego dramaturga w Restaurant otrzymał nominację do Independent Spirit Award dla najlepszego aktora pierwszoplanowego, a w 1999 roku wystąpił w dwóch bardzo różnych portretach amerykańskich dzielnic: Summer of Sam Spike’a Lee i Liberty Heights Barry’ego Levinsona.

W tamtej dekadzie przyszło też niepowodzenie, które ukształtowało jego podejście do branży. Terrence Malick obsadził go jako kaprala Fife’a w The Thin Red Line i przez pewien czas wydawało się, że to właśnie ta postać będzie emocjonalnym centrum filmu. Malick spędził jednak miesiące w montażowni i przebudował opowieść wojenną wokół innych bohaterów. Gdy film miał premierę, Brody pojawiał się na ekranie przez kilka minut i wypowiadał zaledwie parę kwestii. O cięciach dowiedział się, jak głosi znana historia, dopiero podczas premiery. W późniejszych wywiadach opowiadał o tym z pewną wyrozumiałością, sugerując, że nagły rozgłos w tak młodym wieku mógłby mu bardziej zaszkodzić niż pomóc. Została mu też świadomość, że aktor ma niewielki wpływ na to, co ostatecznie trafia na ekran — lekcja, która później skłoniła go do zajęcia się produkcją i pisaniem.

The Pianist i cena całkowitego zanurzenia w roli

Roman Polański zobaczył Brody’ego w Harrison’s Flowers, dramacie wojennym rozgrywającym się na Bałkanach, i w 2001 roku obsadził go jako Władysława Szpilmana w The Pianist. Szpilman był prawdziwym polsko-żydowskim pianistą i kompozytorem, który przeżył zagładę warszawskiego getta, ukrywając się w ruinach miasta. Jego wspomnienia wymagały od aktora ukazania głodu, samotności i powolnego zanikania własnego „ja”. Brody potraktował to dosłownie. Zrezygnował z mieszkania i samochodu, odłączył telefon i schudł około czternastu kilogramów — do mniej więcej 59 kilogramów, choć już wcześniej był szczupły. Ćwiczył utwory Chopina przez wiele godzin dziennie, by jego dłonie wyglądały naturalnie na klawiaturze.

O miesiącach przygotowań mówił jak o doświadczeniu zbliżonym do osobistego kryzysu. Jak opowiadał, odosobnienie pozostawiło w nim poczucie straty i depresję, które długo nie mijały po zakończeniu zdjęć; powrót do zwyczajnego życia zajął mu sporo czasu. Znaczenie miała również historia rodzinna: Brody czerpał z doświadczeń rodziny ojca, która straciła bliskich w Polsce, i z tego, co jego matka zabrała ze sobą z Węgier jako dziecko. Nigdy nie udawał, że to była po prostu kolejna rola.

Rezultatem była niezwykła kreacja, pełna fizycznego i emocjonalnego powściągnięcia, która wywróciła do góry nogami sezon nagród. Brody przegrał rywalizację o nagrody BAFTA, Złoty Glob i Screen Actors Guild, a jednak w marcu 2003 roku pokonał Daniela Day-Lewisa, Jacka Nicholsona, Michaela Caine’a i Nicolasa Cage’a, zdobywając Oscara dla najlepszego aktora. W wieku 29 lat został najmłodszym laureatem w historii tej kategorii i ponad dwie dekady później wciąż pozostaje jedynym zdobywcą Oscara dla najlepszego aktora, który nie skończył trzydziestu lat. We Francji film przyniósł mu także Cezara dla najlepszego aktora — po raz pierwszy nagrodę tę otrzymał amerykański aktor. Pocałunek, którym obdarzył Halle Berry, gdy wręczała mu statuetkę, stał się jednym z najczęściej odtwarzanych momentów w historii Oscarów. W 2025 roku oboje żartobliwie powtórzyli tę scenę na czerwonym dywanie przed galą.

Odrzucenie oczywistej ścieżki

Oscar otworzył przed Brodym wiele drzwi, ale przez kilka z nich przeszedł celowo w niewłaściwym kierunku. Zamiast serii prestiżowych ról pierwszoplanowych wybierał projekty, które z zewnątrz wyglądały niemal tak, jakby miały zmylić publiczność. Zagrał samotnego brzuchomówcę w niezależnej komedii Dummy. W The Village M. Nighta Shyamalana wcielił się w Noaha Percy’ego, młodego mężczyznę z niepełnosprawnością rozwojową. Był weteranem wojny w Zatoce Perskiej uwięzionym w koszmarnym szpitalu w The Jacket, a także małomiasteczkowym detektywem badającym śmierć telewizyjnego Supermana, George’a Reevesa, w Hollywoodland.

Wyjątkiem był King Kong Petera Jacksona, w którym zagrał scenarzystę Jacka Driscolla u boku Naomi Watts i ogromnego goryla stworzonego komputerowo. To największy komercyjny sukces w jego karierze, który udowodnił, że potrafi udźwignąć wielki przebój. Nie poszedł jednak za ciosem i nie nakręcił kolejnego. Zamiast tego nawiązał najtrwalszą współpracę artystyczną w swoim dorobku. Wes Anderson obsadził go jako niespokojnego, środkowego z braci w The Darjeeling Limited, potem jako mysz polną w poklatkowym Fantastic Mr. Fox, a następnie jako Dmitriego — odzianego na czarno, morderczego dziedzica w The Grand Budapest Hotel. Brody wrócił do Andersona jako marszand w The French Dispatch i reżyser teatralny w Asteroid City. Precyzyjne, podszyte suchym humorem światy Andersona pasowały do aktora, który potrafi rozśmieszać bezruchem, a zarazem dawały Brody’emu przestrzeń do gry bez konieczności dźwigania na barkach całego filmu.

W innych projektach wybory aktora nadal szły w różnych kierunkach. Zagrał Salvadora Dalego w Midnight in Paris Woody’ego Allena — w jednej scenie pełnej brawury i obsesji na punkcie nosorożców, którą widzowie wciąż cytują. W Splice Vincenza Nataliego wcielił się w inżyniera genetycznego podejmującego fatalną decyzję, a w Predators — w najemnika ściganego w obcej dżungli. W Detachment Tony’ego Kaye’a stworzył jedną ze swoich najbardziej odsłoniętych kreacji: zagrał nauczyciela na zastępstwo, który błąka się po podupadającej szkole. Był też producentem wykonawczym filmu. Mniej więcej w tym samym czasie założył własną firmę produkcyjną, Fable House, i zaczął produkować mniejsze filmy, takie jak Giallo, Wrecked i Manhattan Night.

Telewizja i druga kariera na widoku

Na długo przed tym, jak prestiżowe seriale stały się oczywistym schronieniem dla aktorów filmowych, Brody wykorzystywał telewizję, by podejmować większe wyzwania. W 2014 roku zagrał iluzjonistę i mistrza ucieczek Harry’ego Houdiniego w miniserialu stacji History Houdini. Rola nawiązywała do jego dziecięcych występów magicznych i przyniosła mu nominacje do nagród Primetime Emmy i Screen Actors Guild. W 2017 roku dołączył do czwartego sezonu Peaky Blinders jako Luca Changretta, nowojorski gangster, który przyjeżdża do Birmingham, by wyrównać rachunki z rodziną Shelbych. Jego teatralnie złowroga kreacja do dziś budzi dyskusje wśród fanów serialu.

Ten dobry okres trwał również w latach 20. XXI wieku. W serialu HBO Succession zagrał Josha Aaronsona, inwestora aktywistycznego, który wyciąga Logana Roya na upokarzający spacer po swojej prywatnej wyspie. Za te dwa odcinki otrzymał nominację do Emmy dla najlepszego aktora gościnnego. Zagrał główną rolę w adaptacji prozy Stephena Kinga Chapelwaite, wcielając się w wdowca z XIX wieku, który przeprowadza się do przeklętego domu swojej rodziny; był też producentem wykonawczym serialu. W Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty stworzył z trenera Pata Rileya studium ambicji i żelu do włosów, a w pierwszym sezonie Poker Face Riana Johnsona zagrał dziedzica kasyna u boku Natashy Lyonne. W filmach pojawiał się jako hollywoodzki reżyser w kryminalnej zagadce See How They Run, dramaturg Arthur Miller w Blonde i czarny charakter w komedii akcji Ghosted.

Najbardziej osobistym projektem z tamtego okresu był Clean, dramat o zemście z 2021 roku, którego bohaterem jest śmieciarz próbujący uciec przed brutalną przeszłością. Brody współtworzył scenariusz, wyprodukował film, zagrał główną rolę i skomponował muzykę. Jak mówił, to portret mniej przyjaznej strony Nowego Jorku, w którym dorastał. Film nie odniósł wielkiego sukcesu komercyjnego, ale pokazał, dokąd zmierzają ambicje Brody’ego: ku autorskiemu opowiadaniu historii, a nie wyłącznie grze aktorskiej. Napisał też muzykę do dokumentu Stone Barn Castle o zabytkowej posiadłości w północnej części stanu Nowy Jork, którą kupił i odrestaurował.

The Brutalist i druga noc na oscarowej scenie

The Brutalist Brady’ego Corbeta, napisany wspólnie z Moną Fastvold, był projektem, do którego kariera Brody’ego przez lata zdawała się zmierzać, choć nigdy wcześniej nie trafiała w sam środek celu. Aktor zagrał László Tótha, fikcyjnego węgiersko-żydowskiego architekta, który przeżywa obozy koncentracyjne, po wojnie przybywa do Pensylwanii, a następnie trafia pod skrzydła bogatego przemysłowca Harrisona Lee Van Burena, granego przez Guya Pearce’a, który stopniowo go sobie podporządkowuje i wyniszcza. W rolę żony Tótha, Erzsébet, wcieliła się Felicity Jones. Film miał premierę na festiwalu w Wenecji w 2024 roku, gdzie Corbet otrzymał Srebrnego Lwa za reżyserię. Wraz z przerwą trwa około trzech i pół godziny.

Dla Brody’ego ta historia była niepokojąco bliska. Ucieczka Tótha z Węgier przypominała drogę, którą w latach 50. przebyli jego matka i dziadkowie. Aktor mówił, że przy pracy nad angielskim bohatera zapożyczył elementy akcentu swojego dziadka. Dostrzegł też związek między nieustępliwą wizją artystyczną architekta a dożywotnim oddaniem fotografii, które cechowało jego matkę. Film nakręcono w systemie VistaVision, panoramicznym formacie niemal zarzuconym od lat 60. XX wieku; w kilku kinach wyświetlano go na taśmie 70 mm. To techniczna ambicja, która stała się częścią jego legendy.

Passa nagród, która nastąpiła później, była niemal bezbłędna. Brody zdobył nagrodę New York Film Critics Circle, Złoty Glob dla najlepszego aktora w dramacie filmowym, Critics’ Choice Award oraz BAFTA dla najlepszego aktora pierwszoplanowego. 2 marca 2025 roku, podczas 97. ceremonii rozdania Oscarów, zdobył drugą statuetkę dla najlepszego aktora — dwadzieścia dwa lata po pierwszej. Film otrzymał łącznie trzy Oscary, a pozostałe trafiły do operatora Lol Crawleya i kompozytora Daniela Blumberga. Bilans Brody’ego to dziś dwie nominacje i dwie wygrane.

Jego mowa dziękczynna trwała pięć minut i czterdzieści sekund, bijąc rekord Greer Garson, który utrzymywał się od 1943 roku. Kiedy orkiestra zaczęła przygrywać, by dać mu do zrozumienia, że czas kończyć, poprosił muzyków o przerwę — tak jak w 2003 roku — i mówił dalej o długotrwałych skutkach wojny, antysemityzmie i rasizmie, a także o kruchości kariery, w której, jak to ujął, w każdej chwili można stracić wszystko. Podziękował Georginie Chapman i jej dzieciom oraz swoim rodzicom. Wystąpienie podzieliło widzów: jednych poruszyło, inni uznali je po prostu za długie. Mało kto o nim zapomniał. Dwa miesiące później, w maju 2025 roku, otrzymał Ellis Island Medal of Honor, wyróżnienie przyznawane Amerykanom, których życie odzwierciedla imigracyjną historię kraju. To zaszczyt, który z wyjątkową precyzją dopełniał historię jego roli.

O czym nie mówił sezon nagród

Triumf nie obył się bez zgrzytów, a rzetelny opis musi je uwzględniać. Kilka tygodni przed Oscarami montażysta filmu ujawnił, że do dopracowania węgierskich dialogów Brody’ego i Jones wykorzystano narzędzie sztucznej inteligencji generujące głos. Zasugerował też, że narzędzi generatywnych użyto przy tworzeniu niektórych obrazów architektury. Corbet odpowiedział, że aktorzy stworzyli swoje kreacje samodzielnie, a oprogramowanie służyło jedynie do korekty brzmienia samogłosek w języku, który słynie z trudności dla osób, dla których nie jest ojczysty. Dodał, że widoczne na ekranie budynki narysowano ręcznie. Wyjaśnienia nie zakończyły szerszej debaty o tym, gdzie kończy się dopuszczalna postprodukcja, a The Brutalist stał się jednym z jej głównych tematów — niezależnie od tego, czy jego gwiazdor miał jakikolwiek wpływ na tę decyzję.

Krytycy podnosili również inne kwestie. Niektórzy autorzy piszący o architekturze twierdzili, że film błędnie przedstawia brutalizm; inni zwracali uwagę, że biografia Tótha w dużej mierze czerpie z życia prawdziwego architekta Marcela Breuera, choć bohater jest fikcyjny. Długość filmu wystawiała cierpliwość części widzów na próbę. Swoje komplikacje miała również reputacja samego Brody’ego: tę samą intensywność, którą krytycy chwalili w jego rolach, niektórzy komentatorzy określali przez lata jako nadmierną powagę. Długa mowa oscarowa wskrzesiła ten stereotyp na kilka dni. Ironia polega na tym, że sama kreacja była studium powściągliwości, zbudowanym na ciszy i ciele wyglądającym tak, jakby wciąż szykowało się na kolejny cios.

Malarz, który wciąż odchodzi z planu

Malarstwo nie jest dla Brody’ego hobby, lecz równoległą praktyką artystyczną z własną historią wystaw. Dorastał wśród płócien ojca i fotografii matki, a w pewnym momencie na jakiś czas odsunął się od aktorstwa, by poświęcić się malowaniu. Jego wystawy nosiły takie tytuły jak „Hooked”, „Hotdogs, Hamburgers and Handguns” i „Metamorphosis: Transformations of the Soul”, a prace czerpią z ikonografii pop-artu: ryby na haczykach, fast foody, logotypy marek przerobione na ostrzeżenia przed konsumpcjonizmem, przemocą i zagrożeniami dla środowiska. Niektóre obrazy osiągały wysokie ceny na aukcjach charytatywnych; komentatorzy internetowi byli wobec nich ostrzejsi niż kolekcjonerzy. Brody mówił, że ceni malarstwo, bo nie musi w nim odpowiadać przed nikim innym. To dokładne przeciwieństwo planu filmowego, gdzie pracę aktora kształtują reżyserzy, montażyści i działy marketingu.

Obok malarstwa jest też muzyka. Brody skomponował muzykę do Clean i Stone Barn Castle, a komponowanie traktuje jako kolejną drogę do tych samych tematów, które zgłębia przed kamerą. Wspólnym mianownikiem jest kontrola. Obrazu na płótnie ani utworu przy klawiaturze nikt nie skróci w montażowni do kilku minut — co spotkało jego pierwszą wielką rolę. Trudno nie dostrzec w malarzu i kompozytorze odpowiedzi na doświadczenie młodego aktora z The Thin Red Line.

Od Donmaru na Broadway

Po zdobyciu drugiego Oscara oczywistym posunięciem byłoby wykorzystanie sukcesu i przyjęcie kolejnych ofert filmowych. Brody wybrał scenę. Jesienią 2024 roku, zanim sezon nagród zdążył nabrać rozpędu, zadebiutował na londyńskiej scenie w Donmar Warehouse w The Fear of 13, sztuce Lindsey Ferrentino o Nicku Yarrisie, mieszkańcu Pensylwanii, który spędził ponad dwadzieścia lat w celi śmierci za morderstwo, którego nie popełnił, zanim dowody DNA oczyściły go z zarzutów. Reżyserował Justin Martin, a za swoją kreację Brody otrzymał w 2025 roku nominację do Laurence Olivier Award dla najlepszego aktora.

W 2026 roku przedstawienie trafiło na Broadway w nowej reżyserii Davida Cromera, z nową partnerką sceniczną, Tessą Thompson. Zagrała wolontariuszkę więzienną, która odmienia życie Yarrisa. Dla obojga aktorów był to debiut na Broadwayu. Przedpremierowe pokazy rozpoczęły się 19 marca 2026 roku w James Earl Jones Theatre, a oficjalna premiera odbyła się 15 kwietnia. Spektakl zaplanowano na ograniczoną, szesnastotygodniową serię. Amerykańscy krytycy przyjęli go powściągliwiej niż ich londyńscy koledzy. Większość chwaliła dwójkę głównych aktorów, uznając jednocześnie, że sama sztuka jest ograniczona przez własną konstrukcję. Gdy wiosną ogłoszono nominacje do nagród Tony, The Fear of 13 otrzymało tylko dwie — za scenografię światła i dźwięku. Brody nie znalazł się w gronie nominowanych do nagrody dla najlepszego aktora, co stało się jednym z najczęściej komentowanych pominięć sezonu. Dla aktora, którego chwilę wcześniej fetowano niemal wszędzie indziej, był to sygnał, że teatr prowadzi własny rachunek, a on sam zgodził się poddać jego ocenie.

Kolejne role

Grafik Brody’ego sugeruje, że nie zamierza zwalniać tempa. W maju 2026 roku ogłoszono, że zagra główną rolę w Last Dance, dramacie o relacji ojca i córki w reżyserii brazylijskiego filmowca Karima Aïnouza. W obsadzie są także Rachel Zegler i Ben Platt. Brody wcieli się w Elliota, cenionego kompozytora broadwayowskiego, który w 1991 roku zaprasza córkę na rejs dla gejów po Karaibach. Platt napisze również oryginalną muzykę do filmu. Latem Brody przebywał w Zagrzebiu, gdzie kręcono Snake Island, thriller Douga Limana, w którym występuje także Sean Penn. Film inspirowany jest sabotażem gazociągów Nord Stream pod dnem Bałtyku w 2022 roku. Zdjęcia rozpoczęły się w lipcu i miały zakończyć pod koniec września 2026 roku. Brody jest również związany z projektem Emperor, historycznym dramatem Lee Tamahoriego, w którym gra XVI-wiecznego władcę Karola V. Data premiery filmu nie została jeszcze potwierdzona.

Życie prywatne

Brody strzeże prywatności bardziej, niż mogłyby sugerować jego publiczne wystąpienia. W latach 2006–2009 był związany z hiszpańską aktorką Elsą Pataky, a później przez kilka lat z modelką Larą Lieto. Od około 2019 roku jego partnerką jest brytyjska projektantka mody Georgina Chapman, współzałożycielka marki Marchesa. Ze sceny oscarowej podziękował jej oraz jej dwójce dzieci. Sam nie ma dzieci. Jego rodzice wciąż są ważną częścią jego życia: Sylvia Plachy fotografowała go przez lata, a Brody rzadko mówi o swojej pracy, nie wspominając o tym, czego się od nich nauczył.

Aktor, który wciąż zmienia kadr

Łatwo odczytywać karierę Adriena Brody’ego jako prostą linię łączącą dwie role naznaczone cieniem Holokaustu: The Pianist i The Brutalist. W obu czerpie z historii rodzinnej syna fotografki z Queens. Ten związek jest prawdziwy, a dwie statuetki oscarowe nie pozwalają go zignorować. Takie spojrzenie pomija jednak większość tego, co Brody robił w międzyczasie: komedie Andersona, serialowych złoczyńców, muzykę i obrazy, kameralny film o śmieciarzu, do którego sam napisał scenariusz, oraz decyzję, by osiem razy w tygodniu stawać na scenie przed krytykami, którzy niczego mu nie zawdzięczali. Najmłodszy zdobywca Oscara dla najlepszego aktora dwie dekady później przemawiał najdłużej w historii, a właśnie w przestrzeni między tymi dwoma rekordami od dawna kryje się ciekawszy aktor. Kolejne sprawdziany są już w kalendarzu: dramat o rejsie ojca z córką i thriller o nurkach na dnie Bałtyku. Żaden z tych projektów nie jest oczywistym wyborem dla dwukrotnego laureata Oscara. Brody rzadko wybierał oczywiste rozwiązania.