Guy Pearce, aktor który wybrał sztukę zamiast sławy i po czterdziestu latach wygrywa oba

Guy Pearce

Photo: usbotschaftberlin / Public domain, via Wikimedia Commons

Urodzony	5 października 1967 Ely, Cambridgeshire, England
Zawód	Aktor
Znany z	Memento, Jak zostać królem, Iron Man 3
Nagrody	Emmy · Oscar (nominacja) · BAFTA (nominacja)

Pod koniec L.A. Confidential jest scena, w której detektyw Edmund Exley – metodyczny, ambitny, niemal całkowicie pozbawiony uroku – uświadamia sobie, że system, który właśnie zniszczył, był tym samym, który go niósł. Guy Pearce gra to z bezruchem kogoś, kto spodziewał się tego od dawna. Ten bezruch jest kluczem do całej kariery Pearce’a: aktora, który zawsze wiedział, gdzie jest dno, i celowo tam schodził, a nie przypadkiem.

Paradoks definiujący jego czterdzieści lat w branży jest prosty do opisania i niemal niemożliwy do wyjaśnienia: Pearce bierze udział w filmach zdobywających Oscara za najlepszy obraz – był w Hurt Locker i The King’s Speech, dwóch kolejnych triumfatorach Akademii – pozostając wyraźnie poza polem grawitacyjnym sławy. Grał czarne charaktery w blockbusterach (Iron Man 3), główne role w prestiżowej telewizji (Jack Irish, Mildred Pierce), role drugoplanowe w filmach, które zmieniły kino (Memento, Prometheus), i wszystko pomiędzy. Wydał dwa folkowe albumy i jako nastolatek w Geelong, w wieku szesnastu lat, zdobył tytuł Junior Mr. Victoria w kulturystyce. Żaden z tych faktów się nie wyklucza. Wszystkie są, w jakiś sposób, Guyem Pearce’em.

Urodził się w angielskim mieście katedralnym Ely w Cambridgeshire – co zaskakuje większość ludzi, którzy uważają go za Australijczyka – w październiku 1967 roku, a miał trzy lata, gdy jego rodzina przeprowadziła się do Geelong w stanie Wiktoria, po służbowych przenosinach jego ojca Stuarta, pilota doświadczalnego Królewskich Sił Powietrznych Nowej Zelandii i Królewskich Sił Powietrznych. Stuart Pearce był podobno postacią niezwykłą: odznaczonym lotnikiem, którego stosunek do precyzji i kontrolowanego ryzyka w sposób, którego nie mógł przewidzieć, ukształtował podejście syna do rzemiosła. Gdy Guy miał osiem lat, jego ojciec zginął w wypadku lotniczym. Rodzina nie wróciła do Anglii. Zostali w Geelong, w kraju, który był ich z wyboru, a nie z urodzenia, a Guy Pearce dorastał, balansując na tym specyficznym przesunięciu.

Trudno określić, co dokładnie przyniosła ta strata, ale jej ślady są widoczne w grze Pearce’a: szczególna jakość powściągliwości, opór przed łatwym sentymentalizmem, skłonność do tego, by żałoba wyglądała jak opanowanie, a nie aktorstwo. W Geelong College odkrył teatr, a już w wieku jedenastu lat występował w amatorskich produkcjach z powagą, którą zauważyli nauczyciele dramy. Potem przyszła kulturystyka – tytuł Junior Mr. Victoria w wieku szesnastu lat nie był młodzieńczym eksperymentem, lecz systematycznym projektem, wymagającym dyscypliny, jaką większość nastolatków kieruje w inne strony. Pearce trenował z metodyczną uwagą poświęconą stopniowym ulepszeniom, która później zdefiniuje jego przygotowanie do ról – budował i przebudowywał swoje ciało do konkretnych celów. Te dwie praktyki – aktorstwo i fizyczna transformacja – były od samego początku różnymi wersjami tego samego impulsu: celowego przekształcania dostępnego materiału w coś bardziej precyzyjnie funkcjonalnego.

Pierwszą poważną funkcją ekranową, jaką znalazł, był Mike Young, cicho intensywna postać, którą grał w Neighbours w latach 1986–1989. Ta australijska opera mydlana wypuściła więcej znaczących karier niż jakikolwiek inny program w historii telewizji w tym kraju – wśród nich Kylie Minogue, Jasona Donovana, Margot Robbie i Liama Hemswortha – ale trzy lata Pearce’a w serialu były bardziej celowe, niż sugeruje to określenie „trampolina”. Uczył się mechaniki aktorstwa ekranowego: skondensowanego rejestru emocjonalnego, gdy ma się kilka sekund na zbudowanie stanu, dyscypliny konsekwencji przez setki odcinków, specyficznych wymagań bycia osobą w rogu kadru, która musi rejestrować coś prawdziwego, podczas gdy główna akcja toczy się gdzie indziej. Mike Young był postacią, która nosiła swoje zranienia po cichu – historię rodzinną, która wyjaśniała jego trudności społeczne, nie usprawiedliwiając ich – a Pearce grał tę wewnętrzność z precyzją, która sprawiła, że postać zapadła w pamięć w formacie zaprojektowanym tak, by postacie były wymienne. Wrócił do serialu na jeden odcinek w 2022 roku i ponownie podczas jego wznowienia w latach 2023–24, za każdym razem udowadniając, że Mike Young nigdy nie był tylko punktem wyjścia: był konkretną osobą z ciągłym życiem wewnętrznym, które rozwijało się przez trzydzieści lat od wyłączenia kamer.

Międzynarodowy przełom nastąpił w 1994 roku i przyszedł, jak to często bywa w przypadku Pearce’a, bokiem. The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert, komedia drogowa Stephana Elliotta o trzech drag performerach – Ticku, Adamie i Bernadette, granych odpowiednio przez Pearce’a, Hugo Weavinga i Terence’a Stampa – przemierzających australijskie interior w przerobionym autobusie, wymagała od gwiazdora wcielenia się w dragową personę z komediową precyzją i emocjonalną prawdą. Pearce zagrał Ticka, najmniej ekstrawaganckiego z trójki, tego, którego wrażliwość jest strukturalna, a nie udawana: mężczyznę wracającego do życia, przed którym uciekał, wykorzystującego podróż do zrozumienia, co jest mu winien. Film dzięki własnej energii podróżował międzynarodowo, znalazł widownię, która nie miała szczególnego sentymentu do australijskiego kina, i przedstawił Guya Pearce’a światu jako kogoś z precyzyjnymi instynktami i bez widocznej bariery między nim a tym, czego wymagała rola. Dał mu też coś rzadszego: film, który kochał swoje postacie, nie traktując ich z góry, który traktował drag nie jako spektakl, ale jako formę autoekspresji z własną godnością. Pearce wielokrotnie mówił o Priscilli jako o jednym z definiujących doświadczeń swojej kariery, filmie, który nauczył go ufać materiałowi, a nie zarządzać nim z dystansu.

L.A. Confidential Curtisa Hansona zmieniło skalę wszystkiego. Adaptacja z 1997 roku labiryntowego korupcyjnego eposu Jamesa Ellroya – powieść tak strukturalnie gęsta, że scenariusz Hansona i Briana Helgelanda wymagał lat destylacji – obsadziła Pearce’a obok Russella Crowe’a i Kim Basinger w filmie, który wymagał trzech odrębnych rejestrów aktorskich, by współistnieć przekonująco. Crowe był wulkaniczny – cała powierzchowna agresja i ukryta wrażliwość; Basinger była czuła, sardoniczna i śmiertelnie skompromitowana; Pearce musiał być czymś trudniejszym do osiągnięcia: mężczyzną, który ma rację we wszystkim, ale myli się co do siebie. Detektyw Edmund Exley widzi na wskroś każdą instytucjonalną kłamstwo, jednocześnie konstruując własne – kłamstwo, że jego ambicja jest zasadą, a nie kalkulacją. Rola zarobiła swój centralny paradoks nie przez deklarację, ale przez serię kumulujących się wyborów: postawę, szczególny sposób, w jaki Exley poprawia okulary przed wypowiedzeniem niewygodnej prawdy, mikrosekundę satysfakcji, którą sobie pozwala, zanim ją stłumi. L.A. Confidential stało się jednym z definiujących filmów dekady, nominowanym do dziewięciu Oscarów, zdobywając dwa. Branża miała dwóch wyraźnych głównych aktorów z tego filmu; nie było oczywiste, którym z nich był Pearce.

Wybór po L.A. Confidential był pouczający: Ravenous (1999), celowo dziwny horror Antonii Bird osadzony w XIX-wiecznym posterunku wojskowym, o kanibalizmie, mitologii pogranicza i konsumpcji cudzej odwagi. To był właśnie nie ten film, który aktor konsolidujący karierę powinien zrobić. Produkcja była problematyczna – Bird zastąpiła poprzedniego reżysera w trakcie zdjęć – a ton filmu, który łączył autentyczne przerażenie z czarną komedią, którą dział marketingu uznał za niemożliwą do sprzedania, zdezorientował widownię i słabo wypadł w box office. Od tamtej pory został całkowicie zrehabilitowany, regularnie cytowany jako jeden z naprawdę oryginalnych amerykańskich filmów gatunkowych swojej dekady. Ale w 1999 roku, z zewnątrz, wyglądał na objazd. Pearce spędził większość kolejnych dwudziestu lat na podejmowaniu tego rodzaju decyzji: film, który go interesował, a nie ten, który służył strategii.

Potem nadszedł Memento. Film Christophera Nolana z 2000 roku, zbudowany w odwrotnej kolejności, tak że widz doświadcza tej samej dezorientacji narracyjnej co jego amnezyjny protagonista Leonard Shelby, wymagał, by Pearce był obecny w każdej scenie, systematycznie tracąc kontekst, który nadawałby tym scenom spójność. To, co stworzył Pearce, było mniej występem, a bardziej ciągłym argumentem na temat świadomości: ile z człowieka pozostaje, gdy załamie się mechanizm tworzący ciągłość? Leonard Shelby bez pamięci wciąż jest rozpoznawalnie mężczyzną z misją, wciąż zdolnym do celu, lojalności, gniewu i miłości – a wszystko to Pearce przekazał bez rusztowania narracyjnego, na którym większość aktorów polega w swoich rolach. Film działał jako zagadka, thriller i coś trudniejszego do sklasyfikowania: badanie tego, w jaki sposób tożsamość jest bardziej krucha i bardziej uparta, niż sądzą zarówno jej posiadacze, jak i ich wrogowie. Memento pozycjonowało Pearce’a jako aktora, wokół którego Hollywood nazywa swoje nowe pokolenie. Hollywood nie nazwało swojego nowego pokolenia wokół Guya Pearce’a.

Zamiast tego nastąpiło rozproszenie: The Time Machine (2002), droga i słabo radząca sobie adaptacja H.G. Wellsa; The Count of Monte Cristo (2002), solidny film płaszcza i szpady, który wypadł przyzwoicie i wzbudził ograniczony entuzjazm krytyków; szereg produkcji średniobudżetowych i niezależnych, które razem wymykały się łatwej kategoryzacji. The Proposition (2005), brutalny australijski western Nicka Cave’a i Johna Hillcota, pokazał, co Pearce potrafi zrobić z odpowiednim materiałem – mężczyzna złapany między przetrwanie a lojalność w krajobrazie, który czyni obie opcje bezsensownymi – i udowodnił, po raz kolejny, że jego najciekawsza praca odbywała się na skrzyżowaniu gatunku i filozofii moralnej. Krótkie występy w Hurt Locker (2009) i The King’s Speech (2010) – oba zdobyły Oscara za najlepszy film – potwierdziły coś, co branża demonstrowała, nie przyznając się do tego wprost: Pearce był dokładnie tym aktorem, którego dzwonisz, gdy potrzebujesz konkretną rolę wypełnić z pełną autoritetą w ograniczonym czasie ekranowym. Dwóch kolejnych zdobywców Oscara za najlepszy film. Aktor drugoplanowy w obu.

Prawdziwe krytyczne pytanie dotyczące kariery Pearce’a nie brzmi, czy był wystarczająco dobry – oczywiście, że był, a każdy, kto oglądał Memento lub L.A. Confidential i nie zrozumiał, dlaczego główny aktor żadnego z tych filmów nie dostał od razu franczyzy, albo nie uważał, albo zwracał uwagę na coś innego. Uczciwa odpowiedź dotyczy mechanizmu systemu gwiazd i czegoś szczególnego w samym Pearcu. Jest całkowicie pozbawiony energii autopromocyjnej, na której opiera się branża. Podczas gdy aktorzy tacy jak Russell Crowe, jego rówieśnik z L.A. Confidential, uczynili swoje pragnienie pierwszeństwa widocznym, czytelnym i bankowalnym, Pearce się wycofywał. Udzielał wywiadów, w których wydawał się bardziej zainteresowany pomysłami filmu niż własną w nich centralnością. Brał projekty w Australii, gdy pojawiały się oferty z Los Angeles, a potem akceptował oferty z Los Angeles, gdy stół leżały australijskie, przemieszczając się bokiem między branżami w sposób, który uniemożliwiał którejkolwiek z nich zbudowanie odpowiedniego handlowego roszczenia wobec niego. W rezultacie stał się aktorem, któremu reżyserzy ufali całkowicie, a publicyści nie mogli do końca wyjaśnić. To prawdziwa kariera i prawdziwe osiągnięcie. To nie jest kariera, którą zapowiadało Memento.

Osobiste koszty niektórych jego wyborów w tym okresie stały się widoczne dopiero lata później. W lutym 2025 roku Pearce publicznie opisał incydent podczas kręcenia L.A. Confidential, w którym jego kolega z planu Kevin Spacey nękał go seksualnie na planie. Zarzut – który Spacey zaprzeczył, odpowiadając w mediach społecznościowych, mówiąc Pearce’owi, żeby dorósł i zaprzeczając, że jest ofiarą – rzucił retrospektywny kontekst na okres kariery Pearce’a, w którym kilka komercyjnie niewytłumaczalnych ruchów otrzymało możliwe częściowe wyjaśnienie. Zwrot w stronę Ravenous. Powroty do Australii. Świadome unikanie pewnych trajektorii franczyzowych, które wymagałyby bliskości z konkretnymi częściami branży. Żadnego z tych nie można przypisać wyłącznie incydentowi z Spaceyem – Pearce zawsze podejmował decyzje w oparciu o materiał, a nie strategię – ale zarzut dodał kontekstu, którego brakowało w publicznym zapisie. Pearce złożył oświadczenie bez dramaturgii i ram ofiary, a potem nie przeprowadził kampanii prasowej. To rodzaj ujawnienia, który, charakterystycznie, powiedział ci coś ważnego, a potem się zatrzymał.

Nagroda Emmy przyszła w 2011 roku za Mildred Pierce – pięciogodzinną adaptację HBO powieści Jamesa M. Caina z czasów Wielkiego Kryzysu, z Kate Winslet jako nieustępliwą przedsiębiorczynią i Pearce’em jako jej uroczym, finansowo rujnującym drugim mężem Montym Beragonem. Haynes nadał miniserialowi wizualny rejestr zaczerpnięty ze szkoły Douglasa Sirka emocjonalnego tłumienia – powierzchnie, które mówią, czego postacie nie mogą – i obsadził Pearce’a w roli, która wymagała, by zrobił z czarnego charakteru kogoś czytelnego, ale nie sympatycznego. Monty Beragon to mężczyzna, który przez całe życie wybierał miękkość zamiast wysiłku i który interpretuje cudzy wysiłek jako wyrzut wobec własnej bierności. Pearce zagrał to z jakością czułej pogardy – lubi Mildred, naprawdę, ale nie może powstrzymać się od postrzegania jej jako strukturalnego wyrzutu – co sprawiło, że postać była zarówno irytująca, jak i całkowicie prawdziwa. Emmy dla wybitnego aktora drugoplanowego w miniserialu lub filmie telewizyjnym doceniło coś, co krytycy zauważali od lat: że najlepsza praca Pearce’a odbywa się w rejestrze, w którym historia nie jest o nim, gdzie jego funkcją jest umożliwienie czyjegoś występu poprzez bycie ciśnieniem, przeciwko któremu tamten się opiera.

Jack Irish (2012–2021), australijski dramat kryminalny, w którym Pearce grał uszkodzonego adwokata z Melbourne przemierzającego kryminalny krajobraz miasta, pokazał ten sam instynkt zastosowany przez dziewięć lat telewizji epizodowej. Jack Irish to typ postaci, którego kompetencja i uszkodzone wnętrze współistnieją, nie anulując się nawzajem – mężczyzna, który potrafi rozwiązywać morderstwa i nie umie naprawić swojego małżeństwa, który rozumie przestępców lepiej niż siebie samego. Pearce budował postać stopniowo, opierając się presji, jaką telewizja długoformatowa wywiera w kierunku heroicznego uproszczenia, i stworzył coś, co funkcjonowała jako jedno z najbardziej trwałych studiów postaci w historii australijskiej telewizji. Serial doczekał się czterech pełnometrażowych odcinków specjalnych i dwóch pełnych serii, z których każda pogłębiała portret, nie powtarzając go.

Okres blockbusterów przyniósł prace, które czytały się różnie w zależności od kąta patrzenia widza. Jako Peter Weyland w Prometheus (2012) i Alien: Covenant (2017) Pearce zagrał założyciela korporacji, której ambicja przekracza zrozumienie jej własnych kosztów – postać w tradycji Ridleya Scotta wizjonerów, którzy mylą własny apetyt na wiedzę z obowiązkiem wszechświata, by ją dostarczyć. Występ obejmował dwa filmy i kilka dekad fikcyjnego czasu, a Pearce poradził sobie ze sztucznym postarzeniem wymaganym w Prometheus z tą samą kryminalistyczną fizyczną uwagą, którą wniósł do kulturystyki jako nastolatek. Jako Aldrich Killian w Iron Man 3 (2013) zagrał antagonistę z naciskiem na intelektualne uzasadnienie – Killian wierzy, że jego żale stanowią filozofię – co dało filmowi Shane’a Blacka pas transmisyjny przekonania pod spektaklem. Żaden z tych występów nie uczynił Pearce’a nazwiskiem rozpoznawalnym w gospodarce franczyzowej. Oba uczyniły filmy lepszymi.

Mare of Easttown (2021), limitowany serial HBO, w którym Kate Winslet grała detektyw z Pensylwanii badającą morderstwo, połączył Pearce’a ponownie z jego koleżanką z Mildred Pierce w roli wymagającej, by grał jednocześnie obiekt miłości i kontrapunkt emocjonalny. Jego Richard Ryan – powieściopisarz i okazjonalny wykładowca, bardziej emocjonalnie dostępny, niż sugeruje sytuacja – stał się jedną z najczęściej komentowanych ról drugoplanowych cyklu telewizji prestiżowej właśnie dlatego, że Pearce zagrał go z lekkością i jakością autoironicznego humoru rzadko widoczną w jego filmowej twórczości. Ci dwoje aktorów najwyraźniej zbudowali w poprzedniej współpracy coś, co przełożyło się na chemię ekranową tak naturalną, że wyglądało, jakby po prostu pojawili się w tej samej ramce z różnych kierunków i postanowili zostać. Memory (2022), kryminał Martina Campbella z Liamem Neesonem, pokazał Pearce’a na drugim biegunie: kliniczną precyzję jako zawodowego przestępcy, którego własna pamięć zaczyna zawodzić. Krytycy zauważyli echo Leonarda Shelby’ego z Memento, ale tam, gdzie amnezja Leonarda była chwytem strukturalnym, postać w Memory doświadczała swojego pogorszenia poznawczego od wewnątrz – inny i, prawdopodobnie, ciemniejszy problem.

The Brutalist (2024) Brady’ego Corbeta – trzyipółgodzinny epos o węgiersko-żydowskim architektu poruszającym się po powojennej Ameryce, jej ambicjach i upokorzeniach – przybył na Festiwal Filmowy w Wenecji jako główne kino artystyczne swojego roku i odszedł ze Złotym Lwem oraz nagrodą dla najlepszego aktora dla Adriena Brody’ego. Pearce, jako Harrison Lee Van Buren Sr, bogaty przemysłowiec z Pensylwanii, który staje się mecenasem architekta i ostatecznym nemezis, dostarczył tego, co krytycy opisali jako jeden z najbardziej niepokojących występów drugoplanowych roku. David Rooney z The Hollywood Reporter nazwał go prawdziwą perełką wśród obsady drugoplanowej i władczo chłodną formą. Van Buren to mężczyzna, którego autentyczne uznanie dla sztuki funkcjonuje jako forma dominacji – kocha to, czego nie może zrobić, i radzi sobie z tą miłością poprzez nabywanie – a Pearce prześledził powolne ujawnianie się postaci z cierpliwością, która sprawiła, że finałowy akt filmu był nie tylko dramatyczny, ale naprawdę niepokojący. Nominacja do Oscara dla najlepszego aktora drugoplanowego, która nastąpiła, została przyjęta przez znaczną część środowiska krytycznego jako spóźniona korekta długotrwałego przeoczenia. Film trwał w kinach ponad trzy godziny; sceny Pearce’a zajmują ułamek tego czasu; jego cień pada na resztę.

Poza ekranem Pearce zajmował się muzyką z taką samą niezależnością, jaka charakteryzuje jego wybory filmowe. Jego debiutancki album Broken Bones (2014) i jego następca The Nomad (2018) czerpały z tradycji folku, bluesa i country, i zostały przyjęte z tą szczególną krytyczną hojnością zarezerwowaną dla artystów-muzykantów, którzy wnoszą do innej sztuki tę samą uwagę, co do swojej podstawowej. Wcześniej pojawił się w teledyskach Silverchair i Radiohead, ten drugi wykorzystywał jego fizyczną precyzję w sposób sugerujący, że te dwie sztuki były dla niego różnymi wyrazami tej samej obsesji na punkcie kontrolowanej transformacji. Jego wsparcie dla organizacji ochrony zwierząt i publiczna solidarność z Palestyńczykami podczas konfliktu w Strefie Gazy przyciągnęły mniej relacji niż jego filmy, ale odzwierciedlają ten sam wzór: stanowiska utrzymywane z przekonaniem i wyjaśniane z troską, bez szczególnego apetytu na uwagę, którą te stanowiska mogłyby wygenerować.

Jego życie osobiste pozostało, jak na standardy aktora na jego poziomie widoczności, w dużej mierze jego własne. Jego małżeństwo z psycholożką Kate Mestitz, które trwało od ślubu w marcu 1997 roku do października 2015 roku, nie przyniosło żadnego publicznego dramatu przez osiemnaście lat. Jego późniejszy związek z holenderską aktorką Carice van Houten – znaną międzynarodowo przede wszystkim z roli Melisandre w Grze o tron – zaowocował synem urodzonym w sierpniu 2016 roku. W styczniu 2025 roku van Houten ogłosiła ich rozstanie, precyzując, że nie byli parą od lat. Pearce nie skomentował publicznie. Ogłoszenie zostało odnotowane; prywatność była szanowana.

2 września 2026 roku Ink miał swoją światową premierę jako film otwarcia 83. Międzynarodowego Festiwalu Filmowego w Wenecji i otrzymał owację na stojąco trwającą prawie pięć minut. Adaptacja sztuki Jamesa Grahama z 2017 roku – która była wystawiana w Almeida Theatre i przeniosła się do West Endu, zanim Boyle przeniósł ją na ekran – autorstwa Danny’ego Boyle’a bada przejęcie przez Ruperta Murdocha w 1969 roku walczącego brytyjskiego tabloidu The Sun i rekrutację przez niego redaktora z Yorkshire Larry’ego Lamba, by przekształcić go w populistyczny tabloid zdolny wyprzedzić Daily Mirror. Pearce gra Murdocha obok Jacka O’Connella jako Lamb, z Claire Foy w roli wspierającej. Obsada miała, z perspektywy czasu, strukturalną precyzję, którą zawsze niosą najlepsze decyzje castingowe Pearce’a: nie jest fizyczną repliką Murdocha, a ta nieistotność jest właśnie sednem. To, czego Murdoch wymaga od Pearce’a, to nie podobieństwo, ale szczególna cecha celowej nieczytelności – występ człowieka, który zdecydował, czego chce, i czeka z nieskończoną cierpliwością, aż inni go dogonią. Wczesne recenzje opisywały jego pracę jako przekonująco makiaweliczną i magnetyczną w jej bezruchu. Netflix nabył film do streamingu w USA z oknem kinowym zaczynającym się 11 grudnia 2026 roku, a Variety poinformowało, że platforma poważnie inwestuje w kampanię oscarową zarówno dla Boyle’a, jak i Pearce’a. W Wenecji Pearce wspomniał, że Elisabeth Murdoch powiedziała mu, że jej ojciec był bardzo zadowolony z obsady. Rupert Murdoch miał dziewięćdziesiąt pięć lat na premierze. Człowiek, który dostał zgodę, by go zagrać, miał pięćdziesiąt osiem i budował do takiego momentu od czasu, gdy autobus o nazwie Priscilla przemierzał australijską pustynię w 1994 roku.

Poza Ink Pearce ma w planach The Price of Peace – polityczny dramat Anthony’ego McCartena o konferencji poczdamskiej w 1945 roku, w którym gra prezydenta Harry’ego S. Trumana, z zdjęciami zaplanowanymi na lato 2026 roku w Londynie i Poczdamie, a dostawa przewidywana na 2027 rok. The Marshal, thriller akcji wyreżyserowany przez Andrew Bairda w ich trzeciej współpracy po Zone 414 i Sunrise, przechodzi przez międzynarodową dystrybucję. W sierpniu 2026 roku Pearce udzielił Deadline aktualizacji, potwierdzając, że prace nad kontynuacją The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert postępują. Krąg, który rozpoczął się w 1994 roku od przerobionego autobusu na australijskiej pustyni, nie zamknął się. Zamiast tego rozszerzył się, obejmując londyńskie biuro magnata medialnego w 1969 roku, powojenny plac budowy w Pensylwanii, poczdamski ogród w lecie 1945 roku. Kształt kariery, która przez dwie dekady wyglądała na błąd, okazuje się być planem, który wymagał więcej czasu niż większość planów – i więcej cierpliwości, niż udaje się większości aktorów.

Najważniejsze filmy

Tagi: Guy Pearce, australijscy aktorzy, danny boyle, The Brutalist, Ink, L.A. Confidential

Wyróżnione wiadomości — Guy Pearce

Filmy

„Priscilla, królowa pustyni 2” staje się elegią: Terence Stamp zagrał Bernadette przed śmiercią

Filmy

„The Price of Peace”: McCarten reżyseruje Poczdam — Pearce, Harris i Ninidze jako Truman, Churchill i Stalin

Filmy

Netflix prezentuje „Kobieta z kabiny dziesiątej”: nowoczesny thriller z klasycznymi elementami kryminału

Filmy

„The Brutalist”: Epicka Architektoniczna Odyseja Brady’ego Corbeta z Adrienem Brodym w Roli Głównej

Filmy

Bez pamięci: Liam Neeson jako zabójca tracący rozum w thrillerze, który zapomina o swoim najlepszym pomyśle

Filmy

Memento po latach: Formalna analiza chronologicznej enigmy Christophera Nolana

Zobacz wszystkie →

Powiązane osoby

Benedict Cumberbatch

Zac Efron

Tom Hardy

Gary Oldman

Kevin Costner

Andrew Garfield