Lee Ufan, artysta, który z kamienia i stalowej płyty uczynił filozofię

Lee Ufan

Urodzony	24 czerwca 1936 Seoul
Zawód	Malarz i rzeźbiarz
Nagrody	Order Zasługi Kulturowej · Nagroda Ho-Am w Sztuce · Legion Honorowa

Lee Ufan przez większą część zawodowego życia próbował robić coraz mniej. Głaz ustawiony przed arkuszem surowej stali. Jedno szare pociągnięcie pędzla przeciągnięte przez płótno wielkości ściany, aż pędzel wyschnie. Nazywa to sztuką spotkania, a nie tworzenia, i broni tej idei w esejach oraz ogrodach muzealnych — od Naoshimy po Wersal. Jeśli jest tu jakiś problem, to chyba ten, że owo minimum stało się nie do pomylenia. Kolekcjonerzy wypatrują prac Lee na zatłoczonych targach sztuki, domy aukcyjne wiedzą, ile warte jest każde pociągnięcie pędzla, a artysta, który chciał wycofać się na dalszy plan, w wieku dziewięćdziesięciu lat znalazł się w centrum obchodów poświęconych własnemu nazwisku, organizowanych w pięciu krajach.

Nawyk uważnego przyglądania się rzeczom, których jest niewiele, pojawił się wcześnie. Dorastał na południu Półwyspu Koreańskiego, gdy ten wciąż znajdował się pod japońskim panowaniem — w hrabstwie Haman, a później w Busan. Dziadek konfucjanin zadbał o to, by w domu uczył się kaligrafii, malarstwa tuszem i chińskiej klasyki. Lee mówił, że zawsze wolał książki od pędzli. Rozpoczął studia malarskie na Seoul National University, ale wytrwał tam zaledwie kilka miesięcy. Potem, wysłany przez rodzinę z misją dostarczenia lekarstw choremu wujowi, pojechał do Japonii. Wuj namówił go, by został. Lee posłuchał i zajął się filozofią.

W 1961 roku Lee, urodzony 24 czerwca 1936 roku, uzyskał dyplom z filozofii na tokijskim Nihon University, a jego szczególną fascynacją był Martin Heidegger. Krótki powrót do Korei Południowej doprowadził do konfliktu z wojskowym rządem. W połowie lat 60. Lee znów był w Japonii, gdzie pisał niemal tyle samo, ile malował. Jego pierwsza wystawa indywidualna otworzyła się w marcu 1967 roku w Sato Gallery w Tokio. W 1969 roku jego esej „From Object to Being” zdobył nagrodę krytyków, a tekst o rzeźbiarzu Nobuo Sekine nadał teoretyczne ramy temu, co Sekine zrobił w 1968 roku w parku w Kobe: wykopał głęboki cylindryczny dół, a wydobytą ziemię ustawił obok w formie kolumny. Ta praca, Phase—Mother Earth, stała się dziełem założycielskim Mono-ha, czyli Szkoły Rzeczy.

Lee został teoretykiem ruchu i jego najbardziej elokwentnym rzecznikiem. Jego eseje, zebrane w 1971 roku w tomie In Search of Encounter, głosiły, że sztuka powinna przestać wytwarzać obrazy, a zamiast tego zestawiać ze sobą rzeczy, ludzi i przestrzeń, ukazując świat — jak ujął to Lee — takim, jaki jest. Za pisarstwem poszły rzeźby. W Phenomena and Perception B upuścił kamień na szklaną płytę i pozwolił, by pęknięcia rozeszły się w dowolnych kierunkach. Od początku lat 70. niemal wszystkim swoim rzeźbom nadawał jeden tytuł: Relatum. Kamienie zestawiał ze stalowymi płytami, szkłem, bawełną lub gumą — każda praca była relacją, nie przedmiotem. Cztery dekady później odtworzył szklaną pracę w Guggenheimie, pochylając się nad płytą z głazem w dłoniach.

Malarstwo powróciło w bardziej rygorystycznej postaci. Serie From Point i From Line, pokazane po raz pierwszy w Tokyo Gallery w 1973 roku, powstały z mielonych pigmentów mineralnych połączonych klejem ze skór zwierzęcych — materiałów charakterystycznych dla tradycji nihonga, którą Lee przyswoił. Za każdym razem nabierał na pędzel jedną porcję farby i powtarzał znak, aż pędzel się wyczerpał. Kropki i linie bledną więc na płótnie niczym oddech, który stopniowo słabnie. W 1975 roku Lee doradzał przy wystawie Five Korean Artists, Five Kinds of White w tej samej galerii. Ekspozycja, na której pokazano prace Park Seo-bo i czterech innych malarzy, zapoczątkowała dansaekhwa — koreańskie malarstwo monochromatyczne — jako ruch artystyczny. Wykładał na Tama Art University od 1973 do 2007 roku, a od dawna dzieli czas między Kamakurę i Paryż.

Późniejsze prace ograniczają środki niemal do zera. W cyklu With Winds, malowanym w latach 1987–1991, luźniejsze i szybsze pociągnięcia przecinają powierzchnię płótna. Correspondence, rozpoczęty w 1991 roku, sprowadza obraz do jednego lub dwóch szaroniebieskich znaków z farby olejnej i sproszkowanego kamienia. Z kolei obrazy Dialogue z ostatnich dwóch dekad przedstawiają pojedyncze, budowane wieloma warstwami kwadratowe pociągnięcie na tle rozległej bieli. Za pracami przyszły uznane instytucje: pierwsza amerykańska retrospektywa w Guggenheimie w 2011 roku, realizacje w ogrodach Wersalu w 2014 roku i aranżacja całego placu przed Hirshhorn w Waszyngtonie w 2019 roku. Jego nazwisko noszą dziś trzy muzea: jedno na wyspie Naoshima, zaprojektowane przez Tadao Ando w 2010 roku; Space Lee Ufan w Busan, działające od 2015 roku; oraz Lee Ufan Arles, mieszczące się w rezydencji odnowionej przez Ando i otwarte w 2022 roku.

Właśnie tu sukces zaczyna budzić dyskomfort. Sztuka polegająca na nietworzeniu okazała się niezwykle czytelna, a pojedyncze szare pociągnięcie łatwo rozpoznać — i, jak przekonał się rynek, łatwo skopiować. Płótno z cyklu From Line z 1976 roku sprzedano w Sotheby’s w 2014 roku za 2 165 000 dolarów, a w latach 2000–2011 więcej jego prac niż dzieł jakiegokolwiek innego artysty osiągnęło sto najwyższych cen na koreańskich aukcjach. W 2016 roku seulscy policjanci i National Forensic Service uznali trzynaście obrazów przypisywanych Lee za falsyfikaty. Artysta sam je obejrzał, stwierdził, że są jego autorstwa, i skarżył się, że śledczy naciskali na niego, by przyznał, iż część z nich nie jest autentyczna. Sądy stanęły po stronie policji: w 2017 roku seulscy sędziowie skazali handlarzy i malarza stojącego za fałszerstwami na kary więzienia do siedmiu lat. Pozostało niezręczne pytanie dotyczące artysty, który mówi o usuwaniu własnego „ja” z dzieła: jeśli ręka ma tak niewielkie znaczenie, kto rozstrzyga, czyja to była ręka? Historyczka sztuki Joan Kee nazwała go kiedyś człowiekiem, który jest wszędzie i nigdzie — a ta formuła działa w obie strony.

Nic z tego go nie spowolniło. Lee skończył dziewięćdziesiąt lat 24 czerwca, a cały rok został podporządkowany jego twórczości. W maju Dia otworzyła długoterminową prezentację w Dia Beacon, opartą na ośmiu obrazach, które artysta podarował fundacji w 2025 roku. W San Marco Art Centre w Wenecji można oglądać przekrojową wystawę, wydarzenie towarzyszące Biennale, otwarte do 22 listopada. W lipcu Palais des Papes w Awinionie zaprezentował cztery instalacje opracowane na nowo z myślą o kaplicach, kuchni i krużganku papieskiego pałacu. Wystawa, zorganizowana w ramach obchodów 140-lecia stosunków dyplomatycznych Francji i Korei, potrwa do 15 listopada. 16 października Fundação de Serralves w Porto otwiera Fragments of Infinity, pierwszą dużą wystawę artysty w Portugalii, na której znajdzie się obraz stworzony specjalnie dla willi.

Potem przyjdzie kolej na Kolonię. 6 listopada Museum Ludwig wręczy artyście Wolfgang Hahn Prize, a następnego dnia otworzy jego wystawę indywidualną, która potrwa do 4 kwietnia 2027 roku. Do 100 000 euro przeznaczono na zakup jego pracy do muzealnej kolekcji. Lee zawsze powtarzał, że kamień jest równie ważny jak ręka, która go ustawia. Tej jesieni w Kolonii, podobnie jak w Porto i Awinionie, ręka wciąż będzie należeć do niego.

Tagi: artists, Lee Ufan, From Line, From Point, Mono-ha, Nobuo Sekine