Pablo Picasso, malarz który rozbił rzeczywistość na odłamki i nie kwapił się ich zbierać

Pablo Picasso

Photo: Argentina. Revista Vea y Lea / Public domain, via Wikimedia Commons

Urodzony	25 października 1881 Málaga, Spain
Zmarł	8 kwietnia 1973 (91)
Zawód	Malarz, rzeźbiarz, ceramik
Znany z	Testament of Orpheus, The Mystery of Picasso, Public Speaking
Nagrody	Lenin Peace Prize (1950) · Lenin Peace Prize (1961) · Légion d'honneur (France) · Royal Order of Isabella the Catholic (Spain)

Są artyści, którzy zmieniają sposób, w jaki dane stulecie się zdobi. A potem jest Picasso, który zmienił sposób, w jakie ono widzi. W pierwszej dekadzie dwudziestego wieku młody Hiszpan pracujący w wynajętych pracowniach na Montmartrze stworzył obraz, który nie został pokazany publiczności przez prawie trzy dekady, ponieważ był zbyt wywrotowy, zbyt postrzępiony, zbyt otwarcie zerwaniem ze wszystkim, co było wcześniej. Panny z Awinionu nie tyle ukończono w 1907 roku, co porzucono – Picasso ciągle nad nim pracował, niepewny, jakby świadomy, że nie działa w ramach tradycji, ale ją przecina. Miał rację.

Urodził się jako Pablo Ruiz Picasso 25 października 1881 roku w Maladze, w rodzinie, w której sztuka była już zawodem. Jego ojciec uczył rysunku w lokalnych szkołach i jako pierwszy dostrzegł w synu coś, co wykraczało poza nauczanie. Gdy chłopiec miał dwanaście lat, ojciec przekazał mu własne pędzle i, według jednej relacji, przestał malować. Czy ta historia jest prawdziwa, ma mniejsze znaczenie niż to, co ujawnia o tym, jak Picasso został wychowany, by myśleć o sobie: jako o kimś, dla kogo normalne zasady zostały z góry zawieszone.

Jego pierwszym dojrzałym stylem nie był kubizm – to był żal. Okres błękitny (1901–1904) nadszedł po tym, jak jego bliski przyjaciel Carlos Casagemas popełnił samobójstwo w Paryżu. Paleta skurczyła się do zimnych błękitów i szarości; tematami stali się biedni, izolowani, uwięzieni. La Vie (1903) i Stary gitarzysta (1903–04) należą do tego okresu – obrazy, które komunikują beznadzieję poprzez kolor jako argument, a nie narrację, poprzez obrazową ponurość, która odczuwana jest nie jako technika, ale jako stan nastroju. Potem paleta się ociepliła. Okres różany (1904–1906) przyniósł arlekiny, artystów cyrkowych, rodzaj tymczasowego spokoju. Potem nadeszło zerwanie.

To zerwanie miało współpracownika. Georges Braque i Picasso razem wynaleźli kubizm – fakt, który mit samotnego geniusza rutynowo pomniejsza. W latach 1908–1914 ich kubizm analityczny rozpuścił konwencjonalną płaszczyznę obrazu w zazębiające się fasety, pokazując temat z wielu punktów widzenia jednocześnie – przód, profil i wnętrze równocześnie, jakby oko zostało uwolnione od konieczności wyboru jednego kąta. Na początku lat dwudziestych nadszedł kubizm syntetyczny: jaśniejszy, bardziej złożony z wyciętych i ponownie złożonych fragmentów, mniej wizualna łamigłówka, bardziej twierdzenie. Trzej muzycy (1921) to destylacja – jazzowy, teatralny, niemal świąteczny i zupełnie niepodobny do niczego, co istniało wcześniej.

Guernica (1937) to inny rodzaj obrazu. Picasso mieszkał w Paryżu, gdy frankiści i ich nazistowscy sojusznicy zbombardowali baskijskie miasto Guernica podczas hiszpańskiej wojny domowej. Ukończył mural – monochromatyczny, masywny, chaos wrzeszczących koni i rozpadających się ciał oraz pojedynczej lampy oświetlającej zgliszcza – w sześć tygodni. Jest to jedna z najbardziej politycznie bezpośrednich rzeczy, jakie kiedykolwiek stworzył, a także jeden z rzadkich momentów, gdy jego prywatny dystans i publiczne stanowisko wydawały się, na krótko, pokrywać.

Krytyczne rozliczenie, które biografia długo odkładała: Życie z Picassem (1964) Françoise Gilot było pierwszym rozszerzonym świadectwem z wnętrza machiny. Udokumentowała ona zaborczość, celową izolację od innych artystów, psychologiczne okrucieństwo, które opisuje nie jako okazjonalny wybuch, ale jako metodę. Inne kobiety, które były centralne w jego życiu – Dora Maar, Marie-Thérèse Walter, Olga Khokhlova – pozostawiły zapiski różnego rodzaju. Wystawa Hannah Gadsby z 2023 roku It’s Pablo-matic w Brooklyn Museum uczyniła pytanie instytucjonalnym: czy możemy wieszać obrazy i nadal nie nazywać tego, co im towarzyszyło? Wystawa odmówiła łatwej odpowiedzi i słusznie odmówiła. Wywołała dyskomfort, a nie werdykt, i jest to właściwy produkt dla pytania, które nie rozstrzyga się w jednej ramie.

W ostatnich dekadach Picasso coraz bardziej zwracał się ku ceramice, produkując tysiące prac w pracowni Madoura w Vallauris, i kontynuował malowanie do końca. Zmarł 8 kwietnia 1973 roku w Mougins we Francji, w wieku dziewięćdziesięciu jeden lat, wciąż pracując. Jego majątek – jeden z najbardziej spornych w historii nowoczesnej sztuki – ostatecznie rozłożył się na system fundacji i dedykowanych muzeów: Musée Picasso-Paris, Museu Picasso w Barcelonie, Museo Picasso Málaga i Musée Picasso d’Antibes.

Pośmiertny obieg wystawienniczy nie zwolnił. Wystawa w Luwrze Abu Zabi z 2026 roku „Picasso, the Figure” zgromadziła ponad 130 dzieł z międzynarodowych kolekcji i trwała do maja 2026. Tate Modern zorganizowało skoncentrowaną wystawę poświęconą Trzem tancerzom, która trwała do kwietnia 2026; „Memory and Desire” (2025–2026) w Museo Picasso Málaga badała dekadę 1925–1945. Dzieła nadal pojawiają się na aukcjach z regularnością żyjącego artysty – Les femmes d’Alger (Version 'O’) sprzedano za 179 milionów dolarów w 2015 roku, co jest jedną z najwyższych cen, jakie kiedykolwiek zapłacono za jakiekolwiek dzieło sztuki. To, co rejestrują te liczby, to nie tylko gust. Są one odpowiedzią rynku na pytanie o rzadkość: jak rzadko ktoś zmienia to, czym sztuka może być? Picasso to zmienił. To, co zrobimy z całym obrazem – nie tylko z obrazami na ścianach – wciąż, pięćdziesiąt lat po jego śmierci, jest toczącą się dyskusją.

Tagi: artists, malarze, artyści wizualni, Françoise Gilot, Georges Braque, Guernica